Los muchos significados (y ubicaciones) del David de Miguel Ángel

Que las estatuas que hoy en día pueblan los museos no fueron concebidas para sus ubicaciones actuales es algo lógico. Pensemos en las estatuas que adornaban los templos griegos, los capiteles románicos o tantas otras. Sin embargo, pocas veces nos planteamos cuestiones similares a la hora de visitar grandes museos: observamos con admiración y sólo nos damos cuenta de ello cuando nos lo cuenta la audio-guía. Como ejemplo de todo ello he creído conveniente visualizar el siguiente vídeo de TED Ed, donde veremos la historia del David de Miguel Ángel. En él nos enteraremos de por qué y para qué se realizó, y lo que le ha deparado la historia. Espero que os guste.

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Renacimiento: Escultura de Miguel Ángel

Miguel Ángel Buonarroti está considerado como el paradigma del hombre renacentista: escultor, pintor, arquitecto, filósofo… pero su vocación y preferencia fue siempre la escultura, materia a la que vamos a dedicar esta entrada.

RASGOS DOMINANTES DEL ESTILO DE MIGUEL ÁNGEL

  • Neoplatonismo: belleza humana para llegar, a través de ella, a la belleza espiritual suprema
  • Peculiar lenguaje clasicista: tendencia a la monumentalidad
  • Figuras de gran fuerza expresiva: excepto en sus primeras obras, en el resto Miguel Ángel intenta expresar su mundo interior, dotando a sus esculturas de gran fuerza expresiva y tensión vital, la conocida terribilitá, más destacada y dramática en sus últimas obras
  • Gran capacidad técnica: usa preferentemente grandes bloques de mármol, trabajándolo hasta liberar del bloque la figura entera, trabajando cada detalle con gran virtuosismo y pulimentando la superficie

PRIMERAS OBRAS

Miguel Ángel se inició en los más puros rasgos del Renacimiento escultórico del siglo XV, volcado ya en la antigüedad griega y romana. Así, estos serían los rasgos de su primera etapa:

  • Uso de los materiales utilizados en la antigüedad: bronce y mármol
  • Esculturas totalmente liberadas ya de marco arquitectónico
  • Vuelta a la representación del desnudo, imitando modelos antiguos
  • Racionalismo que le lleva a idealizar la belleza mediante proporciones matemáticas (canon)
  • Aumento de los temas tratados
  • Nuevo interés por el relieve y la introducción de la perspectiva
  • Armonía y equilibrio de las figuras
Piedad

Piedad

David

David

PERÍODO DE MADUREZ

Durante su madurez hubo un cambio en sus obras escultóricas, expresándose cada vez más claramente la terribilitá, abundando las posturas forzadas y la inestabilidad de las figuras, utilizando además la técnica hoy conocida como de non finito, dejando voluntariamente sin acabar y sin pulir ciertas partes de las figuras, dotándolas así de gran fuerza expresiva Estos cambios supusieron la ruptura con el equilibrio y el acabado perfecto que caracterizan el Clasicismo, comenzando una manera tan personal de esculpir que hay quien considera ya Manierismo.

Tumba del papa Julio II

Tumba del papa Julio II

Moisés (detalle de la tumba de Julio II)

Moisés (detalle de la tumba de Julio II)

Capilla de los Medicis

Capilla de los Medicis

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Tumbas de Lorenzo y Juliano de Medicis

Juliano y Lorenzo de Medicis (esculturas de sus tumbas)

Juliano y Lorenzo de Medicis (esculturas de sus tumbas)

ÚLTIMOS AÑOS

Los últimos años son de profunda espiritualidad, influida por el espíritu de Trento y la crisis del Humanismo racionalista que favorece la vuelta a la exaltación de los valores espirituales. Así, su estilo sigue evolucionando y culmina el proceso artístico iniciado en su madurez: renuncia a la belleza corporal y al equilibrio clásico, interesándole sólo plasmar un mensaje espiritual lleno de dramatismo, adoptando así un lenguaje formal plenamente manierista.

Piedad (catedral de Florencia)

Piedad (catedral de Florencia)

Piedad Rondanini

Piedad Rondanini

En resumen, el equilibrio clasicista entre la belleza ideal y la realidad expresiva alcanza con Miguel Ángel su cota máxima, pero también es con Miguel Ángel con quien ese equilibrio se rompe, lo que significará el fin del Renacimiento Clasicista y el nacimiento de un nuevo lenguaje, el Manierismo.

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La construcción de la cúpula de Santa Maria dei Fiori (Florencia)

En 1418, Filippo Brunelleschi fue el encargado de la construcción de la cúpula más grande jamás vista hasta ese momento, la cúpula de la catedral de Florencia. Él no tenía ningún entrenamiento formal de arquitectura y, pese a ello, utilizó unos métodos verdaderamente brillantes en su construcción, de tal modo que el mundo de la arquitectura vivió una auténtica revolución tras la construcción de su cúpula. En el siguiente vídeo, de National Geographic, veremos de una forma muy amena cómo pudo un hombre normal hacer algo tan extraordinario. Disfrutadlo.

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Renacimiento: Escultura del Quattrocento

Como hemos venido viendo tanto en arquitectura como en pintura, durante el Renacimiento se recupera el interés por la Antigüedad Clásica y es tomada como modelo para la realización de las piezas artísticas del momento.

San Jorge (Donatello)

San Jorge (Donatello)

CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA RENACENTISTA

  • El eje central es la figura humana y su representación de acuerdo a la realidad natural, en consonancia con el antropocentrismo que rige la cultura del momento
  • La realidad se racionaliza e idealiza, buscando la belleza formal: el gran logro del Renacimiento es haber conseguido el equilibrio entre realidad e idea, entre realismo e idealismo. Según las épocas y los artistas dominará un realismo más naturalista (Quattrocento), más idealizado (Cinquecento) o la ruptura con la realidad y el equilibrio clásico (Manierismo)
    • Perfección anatómica y canon de proporciones
    • Movimiento equilibrado a través del contraposto y el movimiento en potencia
    • Actitudes serenas, solemnes y armoniosas
    • Composiciones claras y ordenadas
    • Perspectiva lineal
  • Se busca la perfección técnica y la minuciosidad, trabajándose magistralmente tanto mármol como bronce (materiales preferidos por los escultores de la época)
  • La función del arte sigue siendo exaltar el sentimiento religioso, pero también embellecer la ciudad, perpetuando la memoria de los poderosos. El fin último de la escultura renacentista es el arte por el arte, el goce estético
  • Se dan gran variedad de géneros y campos escultóricos
    • Relieve y bulto redondo
    • Diversos soportes: puertas monumentales, púlpitos, retablos, tumbas, sillerías, fuentes…
  • La temática también es variada: temas religiosos, profanos (alegóricos, mitológicos…) y retratos
  • Los artistas firman sus obras, reflejando diversos estilos y concepciones estéticas. Los principales son Ghiberti, Donatello y Miguel Ángel

LORENZO GHIBERTI (Quattrocento)

A caballo entre el gótico y el renacimiento, en 1401 ganó el concurso para decorar las segundas puertas del Baptisterio de la catedral de Florencia, donde incluyó 28 escenas sobre la vida de Cristo y otros temas religiosos.

Puerta del Paraíso

Puerta del Paraíso

En 1425 recibió el encargo de las terceras puertas del Baptisterio, que decoró con diez bajorrelieves de bronce dorado que representan escenas del Antiguo Testamento. El estilo es diferente al anterior: ahora juega con el tamaño y la profundidad de los relieves, introduciendo además edificios y paisajes, dando lugar a lo que conocemos como relieve pictórico. Años después sería Miguel Ángel quien bautizaría esta puerta como “Puerta del Paraíso”, nombre por el que seguimos conociéndola hoy en día.

DONATELLO (Quattrocento)

El más importante escultor del Quattrocento, fue discípulo de Ghiberti, y su obra combina el realismo, el gusto por la expresividad y la plasmación de emociones. Trabaja todo tipo de materiales, todos los estados de ánimo y todas las edades del ser humano (desde la infancia hasta la vejez).

Su obra más importante es el David, realizado para la familia Medici. En bronce, la figura representa al rey bíblico como un adolescente justo después de vencer a Goliat, cuya cabeza se encuentra a sus pies. El personaje aparece desnudo, con expresión serena, postura de contraposto y curva praxiteliana, todo ello referencias al arte clásico, en el que se inspira.

David

David

Otra de sus obras, y de gran trascendencia, es el retrato ecuestre del Condotiero de la república veneciana Erasmo de Narni, conocido como Gattamelata: escultura de bronce, de bulto redondo, inspirada en la escultura ecuestre de Marco Aurelio, inicia el género de escultura ecuestre renacentista.

Condotiero Gattamelata

Condotiero Gattamelata

Antes de pasar a Miguel Ángel y el Cinquecento (que veremos en una entrada diferente debido a su complejidad y extensión), os dejo un vídeo de Artehistoria donde se resume sumamente bien la escultura del Renacimiento en Europa. Espero que os guste.

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Renacimiento: Pintura del Quattrocento

El proceso de ruptura con las formas góticas y vuelta a la antigüedad también afectó a la pintura, con la diferencia de que al no haber modelos clásicos, la creatividad pudo ser mayor. Así, el Quattrocento (siglo XV) fue de aprendizaje y demostración de dominio técnico.

RASGOS GENERALES DE LA PINTURA DEL QUATTROCENTO

El objetivo es la representación fidedigna de la realidad, fruto de la razón, la matemática y la ciencia óptica.

La temática es variada:

  • Motivos mitológicos, alegóricos o históricos ponen de manifiesto la influencia de la antigüedad
Nacimiento de Venus, Botticelli

Nacimiento de Venus, Botticelli

  • Se multiplican los retratos
Federico de Montefeltro, Piero della Francesca

Federico de Montefeltro, Piero della Francesca

  • Temática religiosa sigue presente pero tratada desde un punto de vista más humano: poco a poco se van eliminando los nimbos, humanizándose los rostros de los santos, prueba todo ello de desacralización
  • El desnudo intenta reflejar el ideal del cuerpo humano
  • El paisaje cobra singularidad, desapareciendo fondos arquetípicos, aunque sin ser aún un género independiente
  • La perspectiva fue la principal innovación, utilizando diferentes fórmulas:
    • La más empleada concebía una pirámide visual, con un punto de fuga hacia donde convergen las líneas que sirven de guía para reducir el tamaño de las figuras: es la perspectiva geométrica.
    • Escorzo: se disponen las figuras de manera perpendicular u oblicua al plano para crear la ilusión de profundidad.
Flagelación de Cristo, Piero della Francesca (perspectiva geométrica)

Flagelación de Cristo, Piero della Francesca (perspectiva geométrica)

Cristo yacente, Mantegna (escorzo)

Cristo yacente, Mantegna (escorzo)

  • Protagonismo dado a la figura humana, idealización del cuerpo y recuperación del desnudo, estudiándose así anatomía y proporciones
  • La luz fue otra de las grandes aportaciones renacentistas: gradúa los colores e interviene en la definición del espacio y los volúmenes
  • Técnicas: el temple fue sustituido por el óleo. La tabla siguió siendo el soporte dominante, compartiendo protagonismo con el lienzo. En Italia se mantuvo la tradición de la pintura al fresco.

PINTORES DEL QUATTROCENTO ITALIANO

MASACCIO

Sus principales aportaciones fueron el estudio de la perspectiva y las figuras escultóricas. En su obra “La Trinidad” por primera vez el público creía ver un espacio real tras los personajes

Expulsión de Adán y Eva del paraíso

Expulsión de Adán y Eva del paraíso

La Trinidad

La Trinidad

PAOLO UCELLO

Dio un nuevo paso en el estudio de la perspectiva lineal y el escorzo, perceptible en su tríptico de la “Batalla de San Romano”. Utiliza superposición de varios planos lineales, buscando torpemente innovaciones y forzadas perspectivas. Mantiene aún la tradición gótica en los fondos planos.

Batalla de San Romano

Batalla de San Romano

Batalla de San Romano

Batalla de San Romano

Batalla de San Romano

Batalla de San Romano

PIERO DELLA FRANCESCA

Muestra una obsesiva preocupación por la perspectiva en sus obras, explicada por su pasión por el estudio de la matemática. La luz, que define los volúmenes, y la arquitectura, se alían para dar sensación de profundidad, pero el resultado suele ser demasiado frío.

BOTTICELLI

Quizás el pintor que  mejor reflejó el gusto por la antigüedad, la mitología y la belleza delicada e idealizada: figuras de miradas ausentes y melancólicas de colores delicados y brillantes, fino dibujo, movimientos armónicos que semejaban danzas.

La Primavera

La Primavera

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Vídeo: Arquitectura del Renacimiento Italiano

Al respecto de los temas de Arquitectura Renacentista que hemos visto en los últimos posts, hoy quería compartir con vosotros un vídeo titulado “Renacimiento Italiano, Arquitectura” publicado por Artehistoria. Espero que os guste y os sirva de ayuda en vuestros estudios.

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Renacimiento: Arquitectura en España

Para terminar con las entradas dedicadas a la Arquitectura Renacentista hemos de hacer una obligatoria parada en la arquitectura española, que pese a ser muy diferente de la que hemos visto en Italia, tuvo un importante desarrollo.

Monasterio de El Esorial

Monasterio de El Esorial

CONTEXTO HISTÓRICO

En España, el Renacimiento presenta dos notas características respecto a Italia:

  • La tardía recepción del clasicismo italiano debido a la pervivencia del estilo gótico
  • El desarrollo de un “Humanismo Cristiano” que dará lugar a un arte puesto al servicio de la exaltación de la Contrarreforma católica y el mundo espiritual

En este contexto, la Arquitectura es la actividad que más florecerá en España. Además, la prosperidad económica favorece una intensa actividad productiva promovida por la monarquía, la nobleza y la iglesia, pudiendo hablarse de tres etapas: Plateresco, Purismo y estilo Herreriano.

PLATERESCO

Desarrollado durante el primer tercio del siglo XVI, importa los tipos decorativos renacentistas pero manteniendo las estructuras góticas. Características:

  • Continuidad y permanencia de estructuras góticas
  • Decoración abundante de estética ya renacentista: conchas, motivos heráldicos, sillares almohadillados, elementos arquitectónicos clásicos (frontones y entablamentos)…

Casa de las Conchas, Salamanca

Casa de las Conchas, Salamanca

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Fachada de la Universidad de Salamanca

Hostal de San Marcos, León

Hostal de San Marcos, León

PURISMO

Segunda mitad del siglo XVI. Tras haber ido depurando poco a poco las formas arquitectónicas, adopta plenamente el lenguaje formal del Clasicismo italiano. Características:

  • Uso de elementos concretos inspirados en la antigüedad: arcos de medio puntos, columnas lisas… también almohadillados en los muros y ausencia de decoración, que se limita a las puertas y las ventanas, lo que da a sus edificios un aspecto armónico y equilibrado.
Palacio de Carlos V, Granada

Palacio de Carlos V, Granada

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Patio circular del palacio de Carlos V, Granada

HERRERIANO (o Escurialense)

Desarrolado durante el último tercio del siglo XVI, es la culminación del proceso, siendo la plenitud del Clasicismo. Se denomina así en honor a su principal arquirecto, Juan de Herrera, que bebe del manierismo italiano de autores como Vignola, siendo el Monasterio de San Lorenzo del Escorial la obra más representativa. Características:

  • Desnudez decorativa, rigor geométrico, relación matemática entre los distintos elementos arquitectónicos, volúmenes limpios y cubiertas de madera revestidas al exterior de pizarra adornadas con torres piramidales (chapiteles) y adornos de pirámides y bolas.
Monasterio de El Escorial, planta

Monasterio de El Escorial, planta

Monasterio de El Escorial, fachada

Monasterio de El Escorial, fachada

Monasterio de El Escorial, pared sur

Monasterio de El Escorial, pared sur

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Renacimiento: Arquitectura del Cinquecento

Continuando con la arquitectura renacentista ahora nos detendremos en la que tuvo lugar a lo largo del siglo XVI.

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Basílica de San Giorio Maggiore, de Andrea Palladio

ARQUITECTURA DEL CLASICISMO (primera mitad siglo XVI)

  • Protagonista la ciudad de Roma.
  • Inspirada en los modelos clásicos, sin olvidar la estética de Alberti.
  • Tendencia hacia el purismo a través de la ausencia de ornamentación.
  • Plantas centralizadas con cúpula.

ARQUITECTURA DEL MANIERISMO (segunda mitad siglo XVI)

  • Arquitectos preocupados por los efectos visuales, anticipando el Barroco.
  • Rechazo de las normas, buscando la libertad individual y un concepto subjetivo de belleza.
  • Libre yuxtaposición de los elementos arquitectónicos.
  • Empleo de elementos clásicos, pero combinados de forma caprichosa, buscando la novedad.

BRAMANTE

Artista que mejor represento los nuevos enfoques de la arquitectura. Partiendo de postulados arquitectónicos de Brunelleschi y Alberti, su obra fue evolucionando al entrar en contacto con las obras de Roma. Así, la pureza de los elementos arquitectónicos se hizo más notoria, perdiendo relevancia los adornos, mostrando una estética austera.

Su arquitectura es sobria y grandiosa, ejemplo de simplicidad, orden y proporción. Se centra en lo puramente constructivo, adoptando el lenguaje formal de la Antigüedad romana.

  • Basílica de San Pedro del Vaticano. Rompe con la tradición de planta basilical del templo cristiano diseñando un grandioso conjunto de dimensiones colosales, de planta central, reflejo de los ideales estéticos del momento: planta de cruz griega y enorme cúpula en el centro. Murió al poco de iniciarse las obras, por lo que las obras fueron continuadas por otros artistas.
Proyecto de Bramante para la Basílica de San Pedro del Vaticano

Proyecto de Bramante para la Basílica de San Pedro del Vaticano

  • San Pietro in Montorio. Templete circular coronado, elevado sobre una pequeña escalinata y rematado por una cúpula semiesférica. Está considerado uno de los edificios más armoniosos del Renacimiento dada su pureza de líneas y austeridad decorativa.
Templete de San Pietro in Montorio

Templete de San Pietro in Montorio

MIGUEL ÁNGEL

Paradigma del hombre del Renacimiento. Comenzó siendo artista clasicista, pero su obra fue evolucionando hacia un mayor movimiento, expresividad y empleo de elementos clásicos, por lo que parte de su obra se considera manierista.

Para Miguel Ángel, la belleza arquitectónica radicaba en la pureza de los elementos constructivos, por lo que no buscaba enmascararlos sino destacarlos.

También introduce pequeñas alteraciones que provocan la ruptura de la norma: introducción de columnas de orden gigante alternando con otras de orden normal, entablamentos que se quiebran, frontones curvos, peldaños de formas diversas… Son elementos clásicos colocados de forma que ayudan a romper la armonía de los edificios anteriores.

  • Basílica de San Pedro del Vaticano. Perfecciona el plan de Bramante, simplificando la planta y aumentando las dimensiones de la cúpula, que pasa a ser el eje de la construcción, convirtiéndose en el modelo más imitado por la arquitectura occidental. Gigantesca y esbelta cúpula semiesférica dispuesta sobre elevado tambor (42 metros de diámetro a 132 metros del suelo). El interior descansa sobre pechinas y cuatro enormes pilares. En el exterior es una cúpula nervada rematada con linterna, con el tambor decorado por columnas pareadas que ocultan los contrafuertes que refuerzan el mismo tambor, vanos con frontones triangulares y curvos, y guirnaldas que dan un aspecto clásico al conjunto.
Proyecto de Miguel Ángel para la Basílica de San Pedro del Vaticano

Proyecto de Miguel Ángel para la Basílica de San Pedro del Vaticano

Cúpula de San Pedro del Vaticano

Cúpula de San Pedro del Vaticano

  • Capilla de los Medici. Destinada a albergar las tumbas de Julián y Lorenzo de Medici, en la iglesia de San Lorenzo (Florencia)
Capilla de los Medici

Capilla de los Medici

  • Escalera de la Biblioteca Laurenciana, en la misma iglesia de San Lorenzo (Florencia) donde encontramos la capilla de los Medici.
Escalera de la Biblioteca Lurenciana

Escalera de la Biblioteca Lurenciana

PALLADIO

El arquitecto más original del Renacimiento, máximo representante del clasicismo veneciano.

Su preocupación máxima: adaptar las formas de la Antigüedad a las necesidades modernas. Los rasgos que conforman su arquitectura son un lenguaje formal inspirado en la Antigüedad grecorromana; una arquitectura de volúmenes nítidos y precisos, de gran pureza lineal; adecuación del clasicismo romano a la tradición arquitectónica veneciana de evitar la pesadez de la masa muraria y la marcada articulación horizontal.

Sus obras más características son bellas villas campestres diseminadas entre Vicenza, Verona y Venecia.

  • Villa Capra o La Rotonda. Obra más representativa de las villas de Palladio. Consta de un salón central cubierto con cúpula y cuatro monumentales pórticos con frontón y escalinata de acceso en los lados, inspirados en los templos romanos.
Villa Capra, conocida como La Rotonda

Villa Capra, conocida como La Rotonda

  • Teatro de Vicenza. Inspirado en los modelos romanos, con la novedad de que el escenario presentaba una decoración en perspectiva
Teatro de Vicenza

Teatro de Vicenza

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Renacimiento: Arquitectura del Quattrocento

Con el siguiente post inauguramos el arte renacentista, centrándonos en la arquitectura del Quattrocento y en sus principales figuras.

Santa María dei Fiori, catedral de Florencia

Santa María dei Fiori, catedral de Florencia

El Renacimiento se desarrolló en Italia en dos fases:

  • Siglo XV o Quattocento: El principal foco artístico fue la ciudad de Florencia, gobernada por los Medici.
  • Siglo XVI o Quinquecento: Roma, bajo el mecenazgo de los Papas, se convierte en el nuevo centro del arte en Italia.

CARACTERÍSTICAS GENERALES

  • Recuperación de los órdenes clásicos
  • Generalización del uso del arco de medio punto, combinándolo con bóvedas de cañón, cúpulas y cubiertas adinteladas
  • Planta rectangular, predominando la horizontalidad, todo ello en torno a la escala humana, protagonista del momento
  • Gran importancia de edificios religiosos (iglesias y capillas), ganando protagonismo los edificios civiles (palacios)
  • Nuevos elementos decorativos: pilastras, medallones, grutescos…

BRUNELLESCHI

Considerado renovador del nuevo estilo en Florencia.

  • Cúpula de la Catedral de Florencia: Considerada la primera gran obra del Renacimiento. Construida sobre el cimborrio de la catedral gótica, se levanta sobre el crucero de la catedral y se alza sobre un tambor octogonal, estando formada por dos cúpulas superpuestas, una semiesférica que queda incluida en otra de sección ligeramente apuntada, rematada por una linterna también obra de Brunelleschi. Los 42 metros de diámetro de la cúpula la convierten en la primera gran obra del llamado arte nuevo, que trataba de emular el arte clásico (gran parecido con el Panteón de Roma), convirtiéndose en símbolo de la república de Florencia.
  • Capilla de San Lorenzo: Encargo de Cosme de Medici, ejemplo del mecenazgo renacentista. Desaparecen totalmente las formas medievales, con una planta basilical de inspiración romana y paleocristiana, con tres naves separadas por aquerías que reposan sobre columnas de capiteles clásicos. Sobre ellos dispone un entablamento para dar mayor esbeltez. La cubierta es plana y con casetones. Todo el templo está realizado a escala humana, prestando atención a la proporción matemática y geométrica propia del Renacimiento.
Capilla de San Lorenzo, fachada

Capilla de San Lorenzo, fachada

Capilla de San Lorenzo, interior

Capilla de San Lorenzo, interior

  • Capilla Pazzi, de planta central, donde da muestras del gusto por la proporción y la armonía. De estructura muy sencilla, el edificio se articula en tres ámbitos: un pórtico rectanguar, una cúpula circular nervada sobre pechinas y rematada en linterna y un ábside cuadrado al fondo.
Capilla Pazzi

Capilla Pazzi

  • Palacio Pitti, que servirá de modelo a los palacios florentinos posteriores: planta cuadrada con estancias dispuestas en torno a un patio central, tres plantas decoradas por muro almohadillado y vanos formados por arcos de medio punto.

pitti

  • Hospital de los Inocentes: edificio abierto al espacio urbano a modo de claustro, edificado alrededor de un patio central, en el que dispuso un pórtico que combina arcos de medio punto y columnas romanas. Horizontalidad, marcada por las molduras de los arquitrabes.
Hospital de los Inocentes

Hospital de los Inocentes

ALBERTI 

Interesado por la búsqueda de reglas teóricas y prácticas capaces de orientar el trabajo de los artistas, ello le llevó a escribir “De re aedificatoria”. Ahí proponía una estética basada en los modelos clásicos y en las relaciones matemáticas que deben regir las partes de los edificios.

  • Templo Malatestiano (Rimini): recupera elementos arquitectónicos clásicos como el arco de medio punto, la elevación del templo sobre un podio y las columnas corintias.
Templo Malatestiano

Templo Malatestiano

  • Iglesia de San Andrés (Mantua): fachada constituida por un grandioso arco que encierra la portada, flanqueado por pilastras corintias, se inspira en los arcos de triunfo romanos. La bóveda de cañón que recubre el vano está decorada con casetones clásicos, y la estructura interior del edificio recuerda a las basílicas romanas de la última época.
San Andrés

San Andrés

  • Palacio Rucellai (Florencia): con fachada sometida a orden geométrico. La horizontalidad de los tres pisos se rompe con pilastras verticales que combinan con los ódenes toscano, jónico y corintio.
Palacio Rucellai

Palacio Rucellai

  • Santa María Novella (Florencia): con fachada ralizada en mármol con perfecta proporción matemática, esta iglesia anticipa el prototipo de fachada barroca, con dos cuerpos coronados por frontón triangular y unidos por grandes volutas o aletones.
Santa María Novella

Santa María Novella

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