El amanecer del Arte

Según muchos investigadores, fue el desarrollo cognitivo lo que dio a nuestra especie la categoría de “humano”: hasta que no se desarrolló un cerebro con capacidad de abstracción no surgió el arte tal y como hoy lo conocemos.

El 95% del arte parietal (en las paredes de cuevas y abrigos) se encuentra en la región franco-cantábrica y goza de gran prestigio. Hay una gran unidad temática en toda la zona: figuras geométricas y animales, destacando grandes herbívoros, aunque los humanos fueron representados muy pocas veces. Pero… ¿cómo y por qué surgió el arte? Esa es una respuesta que hoy no tiene respuesta (y posiblemente no la tenga nunca), a pesar de que las teorías al respecto son muy variadas:

  • Teoría del arte por el arte
  • Teoría totémica
  • Teoría de la magia simpatética
  • Teorías de origen chamánico

Así podríamos seguir y no llegaríamos a ninguna conclusión fehaciente, sin embargo, observando en silencio las pinturas de la Cueva de Chauvet (Francia) en el siguiente vídeo, vamos a intentar entrar en la mente de aquellos humanos que las pintaron hace miles de año… ¿podremos? Espero que os guste.

Hasta aquí el post de hoy, si te ha gustado no dudes en compartirlo en las redes sociales utilizando los botones que tienes más abajo, así podrá llegar a más gente. Muchas gracias.

Anuncios

Pintura del siglo XIX (II): Realismo

El Realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El desencanto por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales: la industrialización determinaba ya la desaparición del artesanado y la formación de una numerosa población obrera acumulada en los centros urbanos. Las condiciones de vida económica y social sufren una alteración muy profunda, y los artistas toman ya conciencia de los terribles problemas sociales (trabajo de niños y mujeres, los horarios excesivos, las viviendas insalubres).

Así, el Realismo es un término confuso, de difícil definición, pues sólo alude a una actitud, la del artista, frente a la realidad que lo rodea. El objetivo del Realismo era conseguir representar el mundo de una forma verídica, objetiva, imparcial, alejándose de idealismos. El manifiesto del Realismo se basaba en:

  • La única fuente de inspiración del arte es la realidad
  • No se admite ningún tipo de belleza preconcebida: la única belleza válida es la que suministra la realidad
  • Cada ser y objeto tiene su belleza particular, y es esa belleza la que debe ser descubierta por el artista

“El taller del pintor” de Courbet, cuadro que dio origen al movimiento, totalmente anti-academicista

“Las espigadoras” de Millet

“El vagón de tercera” de Daumier

Hasta aquí el post de hoy, si te ha gustado no dudes en compartirlo en las redes sociales utilizando los botones que tienes más abajo, así podrá llegar a más gente. Muchas gracias.

Pintura del siglo XIX (I): Romanticismo

El Romanticismo fue un movimiento tanto cultural como político que surgió en Europa a finales del siglo XVIII como reacción contra el racionalismo y el clasicismo. Fue especialmente importante en literatura, pintura y música.

En pintura, que es lo que nos ocupa, supuso un momento de renovación técnica y estética que serían fundamentales para el futuro de la pintura mundial.

  • Técnica: óleo, acuarela, grabado, litografía
  • Pincelada libre, llena de expresividad
  • Desaparece la línea frente al color
  • Importancia de la luz, con carácter efectista y teatral
  • Composiciones dinámicas, aunque depende de los autores
  • La temática es variada. Surge el exotismo tanto en el tiempo, mostrando interés por el recuerdo del pasado (desde la Antigua Grecia hasta la Edad Media y el universo gótico) como en el espacio (norte de África, la América salvaje, el mundo oriental…). También la fantasía y la obsesión con la muerte, la noche y las ruinas pueblan estas pinturas
  • Importancia de la Naturaleza y abundancia de paisajes entre las pinturas románticas
  • Reivindican la individualidad
  • Nueva relación entre cliente-artista: es un trato de igual a igual
Romanticismo francés.

Romanticismo francés. “La balsa de la Medusa”, Guericault

Romanticismo francés.

Romanticismo francés. “La Libertad guiando al pueblo”, Delacroix

Romanticismo inglés.

Romanticismo inglés. “El carro de heno”, Constable

Romanticismo inglés.

Romanticismo inglés. “Lluvia, vapor y velocidad”, Turner

Romanticismo alemán.

Romanticismo alemán. “Caminante sobre mar de niebla”, Friedrich

Hasta aquí el post de hoy, si te ha gustado no dudes en compartirlo en las redes sociales utilizando los botones que tienes más abajo, así podrá llegar a más gente. Muchas gracias.

La Peste Negra y la Historia del Arte

La peste negra (o black death en inglés) es como se conoce a la mayor epidemia sufrida por la humanidad en toda su historia, y que tuvo lugar en el siglo XIV. Llegaría a Europa desde Asia central, a través de Crimea. Sabemos que se trató, principalmente, de peste pulmonar y peste bubónica, transmitida esta última de la rata al hombre a través de las pulgas, provocando además grandes hinchazones, llamadas bubones (de ahí peste bubónica), en axilas e ingles.

Es imposible determinar a ciencia cierta la cantidad de personas que murieron a consecuencia de la peste negra, aunque se estima que pudo morir cerca de la mitad de la población europea de la época.

Dicho esto, no cabe duda de que todos los habitantes de Europa quedarían impresionados y tocados con la epidemia, por lo que en el siguiente vídeo vamos a ver cómo la peste negra influenció a los pintores de la época medieval. Espero que lo encontréis útil.

Hasta aquí el post de hoy, si te ha gustado no dudes en compartirlo en las redes sociales utilizando los botones que tienes más abajo, así podrá llegar a más gente. Muchas gracias.

Goya y su pintura

Nacido en Fuendetodos (Zaragoza), Francisco de Goya y Lucientes está considerado gran genio de la pintura, pero de muy difícil clasificación. En la época en la que se formó debió verse inmerso en el Neoclasicismo y Academicismo imperante, aunque nada más lejos de la realidad. Más bien al contrario, sabemos que su obra de juventud no era especialmente apreciada: dos veces la Academia rechazó sus cuadros en dos concursos para obtener una beca en Roma, beca que acabó pagándose de su propio bolsillo. A su regreso recibió el encargo de pintar los frescos de la Basílica del Pilar (Zaragoza).

Basílica del Pilar: Cúpula Regina Martyrum

Basílica del Pilar: Cúpula Regina Martyrum

De formación barroca con su primer maestro, José Luzán, el éxito le llegaría al casarse con Josefa Bayeu, hermana de Francisco Bayeu, que es quien llama a Goya para trabajar en Madrid en 1774.

  • Goya realizará bocetos que los artesanos de la Real Fábrica de Tapices de Madrid acabarán tejiendo. Pinta cartones en dos etapas: entre 1775-1780 y entre 1785-1792. En esta empresa aparece un Goya que busca el ascenso social al trabajar para la Casa Real. Realiza 4 series de cartones para tapices destinados a decorar estancias de los príncipes de Asturias en el Escorial y el Pardo, además de recibir encargos de la nobleza. Su pintura es alegre y de colores claros, mostrando su optimismo en el Madrid de la época. La pincelada, ágil y suelta. Como temática: juegos, escenas de campo y caza, “majos y majas” del Madrid castizo… En general, temática intrascendente. Ejemplos: El Quitasol, La gallina ciega, La pradera de San Isidro. En los últimos cartones ya aparece una temática más crítica: El albañil herido, El pelele, La boda, La nevada
El Quitasol

El Quitasol

La gallina ciega

La gallina ciega

El pelele

El pelele

  • Retratos, sin duda el género que le lleva a la fama. Goya no solo representa y da valor al personaje que pinta, sino que profundiza en su psicología mostrando su atracción o repulsa hacia él. Ejemplos: Floridablanca, Jovellanos, Condesa de Chinchón, Godoy, La duquesa de Alba, Las majas (desnuda y vestida)… De entre todos destacaremos La familia de Carlos IV: retrato de grupo donde aparece toda la familia real.
Los duques de Osuna y sus hijos

Los duques de Osuna y sus hijos

Godoy como general

Godoy como general

La duquesa de Alba

La duquesa de Alba

La maja vestida

La maja vestida

La maja desnuda

La maja desnuda

La familia de Carlos IV

La familia de Carlos IV

Hacia 1792 Goya enferma, quedándole como secuela una sordera que hace aflorar un Goya diferente: escéptico, sarcástico, atormentado, encontrándose más libre para inventar su pintura.

  • Realiza obras de pequeño formato pero de temática extraña, que incluso recuerdan el romanticismo: Un fuego en la noche, Corral de locos
Un fuego en la noche

Un fuego en la noche

  • Grabados. La primera serie de grabados, Los Caprichos, muestra los errores y vicios de la sociedad en que vive y que, como ilustrado, no le gustan (supersticiones, convenciones sociales…). Ejemplos: El sueño de la razón, A la caza de dientes, Hasta su abuelo
El sueño de la razón produce monstruos

El sueño de la razón produce monstruos

Hasta su abuelo

Hasta su abuelo

En 1808 empieza la Guerra de Independencia: al ver cómo Francia, el país de la razón, intenta imponerse a través de la brutalidad de las armas, Goya se siente decepcionado: la razón ha muerto y los monstruos andan sueltos.

  • Nueva serie de grabados: Los desastres de la guerra, donde el caos y la lucha convierte a los ciudadanos en bestias
¿Qué hay que hacer más?

¿Qué hay que hacer más?

Grande hazaña, con muertos

Grande hazaña, con muertos

  • Pintura patriótica. A la vuelta de Fernando VII en 1814 vuelve también el absolutismo y la inquisición, y Goya es citado por ésta por haber pintado La maja desnuda. Para congraciarse con el rey y mantener su cargo de pintor de cámara, pinta dos lienzos de gran tamaño financiados por la Corona, La carga de los mamelucos y Los fusilamientos del 3 de mayo
Carga de los mamelucos

El 2 de mayo de 1808 (La carga de los mamelucos)

El 3 de mayo de 1808 (Los fusilamientos de la montaña del Príncipe Pío)

El 3 de mayo de 1808 (Los fusilamientos de la montaña del Príncipe Pío)

En 1819 Goya compra una finca cercana a Madrid, la Quinta del Sordo, donde se retira a vivir y donde vuelve a caer enfermo. Este retiro muestra su marginalidad desde la vuelta de Fernando VII y también el ostracismo al que la sociedad del momento le coloca por estar viviendo con una mujer casada.

  • Entre 1820-1822, en este ambiente, decora las paredes de la casa con las llamadas Pinturas negras: da rienda suelta a sus monstruos y muestra su interior atormentado. Ejemplos: Saturno devorando a su hijo, Romería de San Isidro, Duelo a garrotazos, Cabeza de perro
Saturno devorando a su hijo

Saturno devorando a su hijo

Duelo a garrotazos

Duelo a garrotazos

Perro semihundido

Perro semihundido

  • De esta época es también su obra religiosa más mística y expresiva: La última comunión de San José de Calasanz, de 1819
La última comunión de San José de Calasanz

La última comunión de San José de Calasanz

En 1824 Goya se autoexilia en Francia. En Burdeos recupera algo de la claridad de sus obras de juventud. Ejemplo: La lechera de Burdeos.

La lechera de Burdeos

La lechera de Burdeos

INFLUENCIA POSTERIOS DE LA PINTURA DE GOYA

  • Realismo: siguen a Goya cuando son acusados de afear voluntariamente la realidad
  • Impresionismo: (La lechera de Burdeos). Usan la misma técnica de manchas
  • Expresionismo: En el siglo XX, tras la Primera Guerra Mundial, los expresionistas intentarán plasmar el dolor y el miedo no de una persona en concreto, sino elevándolo a categorías. Así hizo Goya en sus Pinturas negras
  • Surrealismo: se afanan en expresar el mundo de los sueños, enlazando así con Goya, que ya había desvelado su mundo interior con Los Caprichos

Hasta aquí el post de hoy, si te ha gustado no dudes en compartirlo en las redes sociales utilizando los botones que tienes más abajo, así podrá llegar a más gente. Muchas gracias.

Pintura Barroca Holandesa: Rembrandt

En Holanda, república burguesa y protestante, tenemos un reflejo de ello en su pintura: desaparece la pintura de iglesia y los lienzos se vuelven más pequeños para ser contemplados en las casas.

Respecto a la temática, los temas bíblicos del Antiguo Testamento, perdiendo importancia la mitología y ganándola el retrato, que se convierte en el tema más importante. Éste es tanto individual como colectivo, siendo estos últimos retratos de gremio, donde sus dirigentes pretendías hacer ostentación de sus cargos. Los paisajes, los interiores burgueses y los bodegones son otros temas representados.

El gusto por el detalle, el amor hacia lo cotidiano, las pinceladas sueltas de color y la preocupación por la luz serán otras de sus notas definitorias.

REMBRANDT

Es el pintor por excelencia de la burguesía pudiente y adinerada holandesa, siendo el primer artista que no depende del mecenazgo de la corte o de la nobleza, sino que vende sus productos en el mercado.

  • TÉCNICA. Preocupación por los efectos lumínicos. En sus cuadros la luz es suave, tamizada… las figuras quedan envueltas en penumbras graduadas, misteriosas. Las sombras están llenas de matices y detalles escondidos que invitan al espectador a la observación. Destaca el hecho principal con una luz más clara, siendo un maestro en la gradacion tonal, en una paleta donde abundan ocres, marrones y tostados.
  • RETRATOS DE GALERÍA. Eran retratos colectivos de una cofradía o agrupación, afirmación de la burguesía del momento: hombres normales pero triunfadores en la cada vez más próspera Ámsterdam. Realizó tres obras memorables encargadas para decorar las salas de sus respectivas corporaciones.
La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp

La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp

Ronda de Noche o La compañía del capitán Banning Cocq

Ronda de Noche o La compañía del capitán Banning Cocqç

El síndico de pañeros

El síndico de pañeros

  • AUTORRETRATOS. Se conservan más de 60, siendo una auténtica obsesión para él, obsesionado (como buen barroco) por el paso del tiempo.
Autorretrato, 1658

Autorretrato, 1658

  • CRISIS. En plena madurez sufrió una crisis financiera que desembocó en una crisis humana y religiosa, lo que acabó reflejándose en su pintura: se volvió más expresiva, con pincelada más suelta y vibrante, y es cuando surgieron cuadros más melancólicos o dramáticos.
Aristóteles contemplando el busto de Homero

Aristóteles contemplando el busto de Homero

El buey abierto en canal

El buey abierto en canal

Hasta aquí el post de hoy, si te ha gustado no dudes en compartirlo en las redes sociales utilizando los botones que tienes más abajo, así podrá llegar a más gente. Muchas gracias.

Pintura Barroca Española. Diego Velázquez

Características de la pintura barroca española:

  • En los temas encontramos un predominio de la temática religiosa: vida de santos (misticismo); retratos reales y de nobles. El tema mitológico es menos abundante, practicándose también el bodegón, pintura de género, pintura histórica, paisaje
  • Falta de movilidad física, compensada por el dinamismo compositivo y los contrastes
  • Naturalismo, buscando modelos de la época. Se representa tanto lo bello como lo horroroso, lleno de simbolismo
  • Partiendo del tenebrismo, en España se desarrolló un tratamiento lumínico propio

Pintores sobresalientes del Barroco español son:

  • José de Ribera, introductor del naturalismo de Caravaggio
Juicio de Salomón, José de Ribera

Juicio de Salomón, José de Ribera

  • Francisco de Zurbarán, representante de los ciclos de pinturas monásticas, dominando el color blanco
San Hugo en el refectorio de los Cartujos, Francisco de Zurbarán

San Hugo en el refectorio de los Cartujos, Francisco de Zurbarán

  • Bartolomé Esteban Murillo, pintor de los grupos marginados, de niños de la calle, de escenas cotidianas que convierte en temas religiosos
Sagrada Familia del pajarito, Bartolomé Esteban Murillo

Sagrada Familia del pajarito, Bartolomé Esteban Murillo

  • Diego Velázquez, pintor de corte de Felipe IV, lo que le permitió huir de la temática religiosa de sus contemporáneos

DIEGO DE SILVA Y VELÁZQUEZ

  • Temática muy abundante: mitología, pintura de historia, de género, paisaje, retratos y religiosa
  • Técnica al óleo, con evolución desde la pincelada fina y calidad hiperrealista hacia otra pincelada de grandes manchas, “impresionista”, que va apareciendo poco a poco en su producción hasta hacerse primordial en sus últimas obras. Pintaba además sin dibujo previo
  • Estilo varía enormemente desde sus primeras obras, tenebristas, hasta la aclaración total de su paleta, convirtiéndose en el gran maestro de la perspectiva aérea del siglo XVII
  • Composiciones sin movimiento, pero la figuras están dispuestas para obligarnos a contemplarlas a “golpes de vista”, generando tensión en su observación. Contrapone personajes y situaciones distintas para producir un dinamismo que supla la inexistencia de movimiento físico
  • Emplea el naturalismo usando elementos de su realidad cotidiana en todas sus obras, pero reflexionando sobre esa realidad, realizando bras de un alto contenido intelectual de compleja interpretación

ETAPA SEVILLANA

Período de formación junto a Francisco Pacheco. Obras de técnica tenebrista y tonos madera. La pincelada es fina, con figuras de potentes volúmenes y sensación de relieve, predominando las escenas de género con tipos populares, los bodegones, las naturalezas muertas.

Vieja friendo huevos

Vieja friendo huevos

El aguador de Sevilla

El aguador de Sevilla

PRIMERA ETAPA MADRILEÑA

Llamado a la Corte por el Conde Duque de Olivares fue nombrado pintor real por Felipe IV, convirtiéndose desde entonces el rey en su mejor cliente. Realiza una serie de retratos del rey y de las personas de la Corte, interesado en captar el carácter del representado.Entre los retratos más significativos de esta época empiezan a aparecer los bufones y enanos de la corte. Sus tonos madera van quedando atrás, adoptando una pincelada cada vez más suelta.

Demócrito

Demócrito

El bufón Calabacillas

El bufón Calabacillas

El triunfo de Baco

El triunfo de Baco

PRIMER VIAJE A ITALIA

Influenciado por la visita de Rubens a España, pide licencia al rey para viajar a Italia a completar sus estudios. Allí asimila los recursos de los grandes maestros italianos y abandona los restos de tenebrismo que aún le quedaban. Su pintura se vuelve más fluida, estudiando la perspectiva aérea. La obra que resume los logros de este viaje es “La fragua de Vulcano”, presentando en ella dos elementos inusuales en la pintura barroca española: mitología y desnudo, elementos que funde dentro de una escena de género. En esta obra Velázquez nos narra la llegada de Apolo a la fragua de Vulcano para comunicarle el adulterio de Venus con Marte. El análisis psicológico de las expresiones y los contrastes entre Apolo y el resto de los personajes (mitología y vida común) son plenamente barrocos.

La fragua de Vulcano

La fragua de Vulcano

SEGUNDA ETAPA MADRILEÑA

Tras su vuelta de Italia y ampliada su formación, inició la decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, ideando numerosas piezas especialmente con este fin, entre ellas “La rendición de Breda” o diversos retratos de Felipe IV, la reina Isabel de Borbón y del príncipe Baltasar Carlos. Continuó con los retratos, como el que hizo del Conde Duque, y con obras  en las que retrataba a los bufones de la corte.

La rendición de Breda

La rendición de Breda

Retrato de Felipe IV a caballo

Retrato de Felipe IV a caballo

El príncipe Baltasar Carlos a caballo

El príncipe Baltasar Carlos a caballo

Retrato de el Conde-Duque de Olivares a caballo

Retrato de el Conde-Duque de Olivares a caballo

Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas

Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas

Pablo de Valladolid

Pablo de Valladolid

SEGUDO VIAJE A ITALIA

En 1649 inicia un nuevo viaje a Italia, esta vez un viaje encargado por el Rey, en busca de cuadros destinados a la colección de la corona. Allí continúa con sus retratos psicológicos con el retrato del papa Inocencio X, evolucionando su técnica hacia el “impresionismo” con su serie de obras pintadas en la villa Médicis. De esta época es también su único desnudo femenino: “La Venus del espejo”.

Retrato del papa Inocencio X

Retrato del papa Inocencio X

Vista del jardín de Villa Médici en Roma

Vista del jardín de Villa Médici en Roma

Venus del espejo

Venus del espejo

PERÍODO FINAL

A la vuelta de Italia lleva a su cima la vaporosidad de la luz, su pincelada suelta, los tonos rosados y el sublime tratamiento de la luz. En estos momentos realiza retratos, siendo “Las Meninas” la obra cumbre de este período.

Las Meninas

Las Meninas

Hasta aquí el post de hoy, si te ha gustado no dudes en compartirlo en las redes sociales utilizando los botones que tienes más abajo, así podrá llegar a más gente. Muchas gracias.

Pintura Barroca Flamenca: Rubens

Desde 1609 Flandes se encontraba en la práctica separada de los Países Bajos y más unida que a ellos a la monarquía española, lo que se refleja en las características de su escuela pictórica.

  • Catolicismo imperante, que contribuye a mantener la importancia de los temas religiosos, nota diferencial respecto a la escuela holandesa. Abundan grandes lienzos para iglesias reflejando vidas de santos y exaltación de los sacramentos
  • Carácter alegre de la pintura, inclinándose por los aspectos placenteros de la vida. Los temas costumbristas son el género cultivado con más frecuencia. Los bodegones flamencos ilustran opulentas mesas que rebosan frutas y manjares, piezas de caza, comida atractiva… en contraste con la austeridad de los bodegones españoles. Por otro lado, nobleza y monarquía también se interesan por escenas mitológicas para la decoración de sus palacios, con escenas de marcada sensualidad

PEDRO PABLO RUBENS

ESTILO: se resume en la exaltación del color, del movimiento y de la forma gruesa

  • Color. La gama de colores utilizados, la soltura de la pincelada y la intensidad de la paleta da un brillo especial a su pintura
  • Las composiciones adquieren gran dinamismo: músculos en tensión, diagonales enérgicas…
  • Desnudo de gran corporeidad: el masculino destaca por su colosalismo y el femenino por la sensualidad. Será un desnudo de carnes blandas y opulentas. Sus mujeres gruesas muestran su inclinación hacia la figura redonda de formas ampulosas, considerándose un ideal estético del siglo

OBRA: supera ampliamente los dos mil cuadros, aunque buena parte de ellos fueron realizados por su taller, interviniendo el maestro más o menos según el precio que se pagase. Normalmente, Rubens establecía la composición, seguía la elaboración y acababa la obra para dejar constancia de su peculiar pincelada.

  • Escenas religiosas
Adoración de los Reyes

Adoración de los Reyes

  • Escenas mitológicas
Las tres Gracias

Las tres Gracias

  • Escena históricas, donde aparece también la mitología
Desembarco de María de Médicis

Desembarco de María de Médicis

  • Retratos
El duque de Lerma a caballo

El duque de Lerma a caballo

  • Paisajes
Atalanta y Meleagro cazando al jabalí de Calidonia

Atalanta y Meleagro cazando al jabalí de Calidonia

Hasta aquí el post de hoy, si te ha gustado no dudes en compartirlo en las redes sociales utilizando los botones que tienes más abajo, así podrá llegar a más gente. Muchas gracias.

Encontrar la historia dentro del cuadro

Cuando nos encontramos delante de un cuadro podemos simplemente observarlo desde un punto de vista artístico, o bien mirar más allá, buscando la historia de sus personajes . ¿Cómo conoció el pintor a su modelo? ¿Por qué encontramos esa luz en sus ojos? Tracey Chevalier, autora de la novela “La joven de la perla” nos cuenta en este vídeo de TED Talks tres historias inspiradas en retratos. Disfrutadlas.

Hasta aquí el post de hoy, si te ha gustado no dudes en compartirlo en las redes sociales utilizando los botones que tienes más abajo, así podrá llegar a más gente. Muchas gracias.

Pintura Barroca Italiana. Caravaggio

EL BARROCO EN ITALIA

En la Italia del Barroco se dieron dos tendencias pictóricas: el clasicismo y el naturalismo.

  • El clasicismo representado por los CARRACI se especializó en decorar al fresco techos de palacios con imágenes mitológicas y alegóricas de colores claros volviendo a las proporciones humanas ideales.
  • Pero la pintura naturalista italiana tendrá una mayor influencia en la historia del arte, sobre todo por la labor del que se considera su creador, Michelangelo Merisi, IL CARAVAGGIO

MICHELANGELO MERISI, “IL CARAVAGGIO”

La pintura de Caravaggio es enormemente innovadora y quizás por ello también incomprendida en su tiempo. Sus contemporáneos alabaron su talento, pero le reprocharon el mal uso que hizo de él. Sus aportaciones más geniales fueron la creación del naturalismo y el tenebrismo pictóricos. Ambos recursos pretenden sorprender y emocionar, en la línea del espíritu barroco general.

NATURALISMO: sus obras siempre se inspiran en tipos de la realidad que le rodea: jugadores, hampones, prostitutas, gitanos… Existen ejemplos en todas las etapas de su producción artística.

  • En su fase inicial (1590-1599) usará como modelos a jóvenes lánguidos, afeminados y ambiguos como en su famoso Baco, o disfrazados de músicos travestidos, como El tañedor de laúd
Baco

Baco

El tañedor de laúd

El tañedor de laúd

  • En su fase de madurez (1600-1606) varios mecenas le pidieron realizar de nuevo algunas obras, como la de San Mateo y el ángel, por la poca dignidad de los representados (Mateo parecía un vulgar anciano y el ángel un joven pícaro). Otras obras levantaron gran polémica como la Virgen de Loreto que mostraba en primer plano un peregrino con los pies enlodados, lo que el pueblo entendió como una falta de respeto. Peor suerte corrió La muerte de la Virgen que fue retirada de la iglesia que se la encargó porque imitaba con demasiada exactitud el cadáver hinchado de una prostituta encontrada ahogada en el Tíber.
Virgen de Loreto

Virgen de Loreto

Muerte de la Virgen

Muerte de la Virgen

  • Su etapa final (1606-1610) coincide con el exilio, pintando cuadros religiosos para las iglesias del sur de Italia y Malta, mientras huía de la justicia. Aunque será adulado e incluso entrará a formar parte de la Orden de Malta, alguna de sus obras sigue siendo rechazada por las razones anteriores como La virgen del Rosario
Virgen del Rosario

Virgen del Rosario

TENEBRISMO: Será en su etapa intermedia, de madurez, cuando Caravaggio cree una visión revolucionaria de la luz: el tenebrismo. La luz deja de tener un foco natural, se concentra en unos lugares del cuadro, mientras otros quedan en la penumbra y oscuridad, para resaltar violentamente las partes iluminadas. El contraste lumínico tiene una enorme fuerza expresiva. Los ejemplos en los que podemos apreciar esta técnica son innumerables. Destacamos dos series de lienzos monumentales que pintó para sendas capillas romanas que siguen conservándose “in situ”.

  • En Santa María del Popolo, para la capilla Cerasi, pintó La crucifixión de San Pedro y La conversión de San Pablo (1600-1601)
Crucifixión de San Pedro

Crucifixión de San Pedro

Conversión de San Pablo

Conversión de San Pablo

  • En San Luis de los Franceses, para la capilla Contarelli, La vocación de San Mateo, San Mateo y el ángel y El martirio de San Mateo (1601-1602)
La vocación de San Mateo

La vocación de San Mateo

Martirio de San Mateo

Martirio de San Mateo

NUEVOS TEMAS. Fue Caravaggio el que ya en su juventud inventa el bodegón moderno con Cesto de frutas

Cesto de frutas

Cesto de frutas

Hasta aquí el post de hoy, si te ha gustado no dudes en compartirlo en las redes sociales utilizando los botones que tienes más abajo, así podrá llegar a más gente. Muchas gracias.