Escultura Barroca en España

Una de las características de la escultura barroca en España fue implantación entre los escultores de los principios de la Contrarreforma. Los temas alegóricos y mitológicos se mantuvieron ausentes, por lo que la escultura barroca española casi se redujo a la imaginería, centrándose así en los temas religiosos.

Las imágenes eran encargadas tanto para altares y retablos de las iglesias como para pasos procesionales para la Semana Santa. Tres fueron los motivos preferidos:

  • Vida de los Santos: se buscaba mostrarlos en la actitud o virtud que le hiciera merecedor de los cielos, normalmente el martirio
  • Representaciones de María: el culto a la Virgen fue muy popular, consolidándose las representaciones de las distintas advocaciones marianas (la Inmaculada, la Virgen de las Angustias, de los Dolores, del Carmen…)
  • Pasión de Cristo: las representaciones de este tipo de multiplican (atado a la columna, camino del calvario, agonizando en la cruz, yacente).

En todas las imágenes podía manifestarse lo trágico, incluso lo cruel, intensificando lo patético para conmover al fiel y potenciar el fervor religioso. De esta manera nos encontramos con otro rasgo propio de la escultura hispana: la marcada expresividad de las figuras que trasmiten dolor, angustia, amor, odio. Para acentuar el realismo se introdujeron en la representación elementos ajenos a ella: la figura de Jesucristo comenzó a ser cubierta por mantos realizados en tela; el cuerpo se ceñía con cuerdas y la corona de espinas de la frente era una corona real. El realismo escultórico se llevó hasta sus últimas consecuencias: las bocas se abren y muestran perfectamente tallados la lengua y los dientes; la mirada se intensifica al incrustar en las figuras ojos de cristal o lágrimas del mismo material; la cabeza, en ocasiones, se reviste de pelo real.

Otra de las notas que diferenciaban la escultura barroca hispana de la que se ejecutaba fuera es el material en el que se realizaba: debido a la escasez y al alto precio del mármol se venía empleando madera policromada ya desde el Renacimiento. Esta tradición se mantuvo durante el Barroco, agudizando aún más el realismo de las figuras y su patetismo mediante las carnaciones.

  • ESCUELA CASTELLANA: GREGORIO FERNÁNDEZ. Gran realismo en la anatomía o en las calidades, exaltado expresionismo y dramatismo al servicio del sentimiento religioso, austera policromía. Crea modelos iconográficos que serán muy imitados: retablos y pasos procesionales, representaciones de Cristo sufriente, de la Virgen, de santos…
Cristo Yacente

Cristo Yacente

Cristo atado a la columna

Cristo atado a la columna

La Piedad

La Piedad

La Inmaculada Concepción

La Inmaculada Concepción

  • ESCUELA ANDALUZA: MARTÍNEZ MONTAÑÉS es el principal representante del foco sevillano y ALONSO CANO del foco granadino. En Andalucía el realismo tendrá un tono diferente al castellano: menor gusto por lo trágico, estilo más sosegado, sereno y reposado; mayor virtuosismo y detallismo en la talla y policromía más matizada y brillante.
Inmaculada de la catedral de Sevilla, La Cieguita. Martínez Montañés

Inmaculada (la Cieguecita) Martínez Montañés

San Jerónimo, Martínez Montañés

San Jerónimo, Martínez Montañés

Inmaculada del fascistol

Inmaculada del fascistol, Alonso Cano

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Escultura Barroca. Gian Lorenzo Bernini

La escultura brarroca tiene su origen en Italia de la mano de Bernini, a quien ya hemos visto como arquitecto. Con todo, a lo largo del siglo XVII coexisten otras escuelas escultóricas nacionales, como la francesa (cuya principal características es el clasicismo aunado al poder absoluto del rey) o la española (de marcado naturalismo al servicio de la Iglesia).

CARACTERÍSTICAS

  • Materiales: varían según la zona de producción, a veces incluso combinándose en una misma obra. Para obras destinadas a interiores, el barroco más cortesano prefiere el mármol, alabastro o bronce, mientras que el barroco más popular prefiere las maderas policromadas. Para los exteriores la piedra se utiliza de forma generalizada
  • Gran maestría técnica del escultor
  • Unifacialidad de la representación: esculturas concebidas para ser contempladas desde un punto de vista principal
  • Empleo de múltiples bloques de mármol u otro material para realizar una única obra
  • Importancia de la belleza del movimiento: gran dinamismo, predominando líneas diagonales y en aspa
  • Intención de plasmar el instante huyendo del estatismo clasicista. Las imágenes presentan un equilibrio inestable
  • Uso de paños como recurso para incrementar el efecto de movimiento mediante bruscos pliegues que con su profundidad provocan juegos de claroscuro
  • Imágenes más próximas a la realidad que en el Renacimiento, y expresiones exaltadas
  • Teatralidad: las obras están concebidas para un lugar o momento, y pierden sentido si las separamos de ahí
  • Temática: religiosa, civil, mitológica y alegórica

ESCULTURA BARROCA EN ITALIA: BERNINI

Su obra logró sintetizar las principales características de la escultura del siglo XVII, teniendo gran influencia en épocas posteriores. Trabajó fundamentalmente para la iglesia romana, algo que determinó los temas elegidos. Sus obras se caracterizan por la teatralidad y la frontalidad, el movimiento y la expresividad. Buscaba ofrecer efectos diversos puliendo la superficie de la piedra con distintos acabados o combinando materiales.

TRABAJOS JUVENILES. Sufragados por el cardenal Scipione Borghese, suponen un cambio de tendencia estética: de copiar obras clásicas o helenísticas pasó a desarrollar plenamente la estética barroca.

  • Rapto de Proserpina: rompe decididamente el equilibrio de lo clásico en lo formal (impetuoso movimiento) y en lo psicológico (expresión libre de los sentimientos)
Rapto de Proserpina

Rapto de Proserpina

  • David: antítesis más perfecta de su homónimo de Miguel Ángel. Por primera vez representa la acción en el momento en que se desata, expresando el rostro el esfuerzo necesario para tal fin
David

David

  • Apolo y Dafne: obra que mejor sintetiza las características de su estilo en esta época. Elige para su realización el momento culminante en el desarrollo de la acción y usa una composición basada en el uso de la línea en serpentín
Apolo y Dafne

Apolo y Dafne

ÉPOCA DE MADUREZ. Entre 1640 y 1654 se desarrolla el período más creativo de su carrera. En ese tiempo integró todas las artes, logrando el supremo espectáculo de la teatralidad barroca dentro de un templo. Eso lo consigue con su obra más emblemática:

  • Éxtasis de Santa Terresa: concebida para formar parte de la tumba del cardenarl Cornaro en Santa María de la Victoria (Roma). Es un extraordinario ejemplo del espíritu barroco al integrar las distintas artes (arquitectura, pintura, escultura) creando un gran efecto teatral. El grupo escultórico no puede separarse del marco que le rodea: capilla de mármoles y jaspes de colores que hacen las veces de escenario en cuyo interior, sobre una nube, se desarrolla la trama. Esta trama no es otra que la de una Santa Teresa en trance esperando a que un ángel traspase su corazón con una flecha de fuego. La iluminación, a través de una ventana oculta y con espejos para acentuar la luz indirecta, crea claroscuros que refuerzan el efecto de levitación sobre la nube. En los laterales, los sepulcros de pared se transforman en palcos de un teatro donde los difuntos de la familia Cornaro contemplan la escena.
Éxtasis de Santa Teresa, vista general de la capilla

Éxtasis de Santa Teresa, vista general de la capilla

Éxtasis de Santa Teresa

Éxtasis de Santa Teresa

  • Tumbas de los Papas Urbano VIII y Alejandro VII. Benini creó un tipo de tumba papal que constituyó un modelo funerario muy repetido hasta el siglo XIX: la tumba se convierte además en un monumento conmemorativo que incluye la figura glorificada del difunto
Tumba de Alejandro VII

Tumba de Alejandro VII

  • Fuentes monumentales, destacando la Fuente de los Cuatro Ríos
Fuente de los Cuatro Ríos

Fuente de los Cuatro Ríos

  • Retratos de busto: Retrato del duque Francisco I d’Este, Retrato de Luis XIV o la imagen de Constantino el Grande, donde impuso un nuevo monumento ecuestre con el caballo en corveta y el personaje heroizado
Luis XIV

Luis XIV

ESTILO TARDÍO. Hacia 1665 evolucionó buscando el expresivisto y la espiritualidad. Las figuras ahora se alargan y los ropajes se retuercen (ejemplo: Ángeles con los atributos de la Pasión). Es el momento también en que acaba la Cátedra de San Pedro, conjunto monumental que busca únicamente exaltar el trono de San Pedro.

Cátedra de San Pedro

Cátedra de San Pedro

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Los muchos significados (y ubicaciones) del David de Miguel Ángel

Que las estatuas que hoy en día pueblan los museos no fueron concebidas para sus ubicaciones actuales es algo lógico. Pensemos en las estatuas que adornaban los templos griegos, los capiteles románicos o tantas otras. Sin embargo, pocas veces nos planteamos cuestiones similares a la hora de visitar grandes museos: observamos con admiración y sólo nos damos cuenta de ello cuando nos lo cuenta la audio-guía. Como ejemplo de todo ello he creído conveniente visualizar el siguiente vídeo de TED Ed, donde veremos la historia del David de Miguel Ángel. En él nos enteraremos de por qué y para qué se realizó, y lo que le ha deparado la historia. Espero que os guste.

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Renacimiento: Escultura de Miguel Ángel

Miguel Ángel Buonarroti está considerado como el paradigma del hombre renacentista: escultor, pintor, arquitecto, filósofo… pero su vocación y preferencia fue siempre la escultura, materia a la que vamos a dedicar esta entrada.

RASGOS DOMINANTES DEL ESTILO DE MIGUEL ÁNGEL

  • Neoplatonismo: belleza humana para llegar, a través de ella, a la belleza espiritual suprema
  • Peculiar lenguaje clasicista: tendencia a la monumentalidad
  • Figuras de gran fuerza expresiva: excepto en sus primeras obras, en el resto Miguel Ángel intenta expresar su mundo interior, dotando a sus esculturas de gran fuerza expresiva y tensión vital, la conocida terribilitá, más destacada y dramática en sus últimas obras
  • Gran capacidad técnica: usa preferentemente grandes bloques de mármol, trabajándolo hasta liberar del bloque la figura entera, trabajando cada detalle con gran virtuosismo y pulimentando la superficie

PRIMERAS OBRAS

Miguel Ángel se inició en los más puros rasgos del Renacimiento escultórico del siglo XV, volcado ya en la antigüedad griega y romana. Así, estos serían los rasgos de su primera etapa:

  • Uso de los materiales utilizados en la antigüedad: bronce y mármol
  • Esculturas totalmente liberadas ya de marco arquitectónico
  • Vuelta a la representación del desnudo, imitando modelos antiguos
  • Racionalismo que le lleva a idealizar la belleza mediante proporciones matemáticas (canon)
  • Aumento de los temas tratados
  • Nuevo interés por el relieve y la introducción de la perspectiva
  • Armonía y equilibrio de las figuras
Piedad

Piedad

David

David

PERÍODO DE MADUREZ

Durante su madurez hubo un cambio en sus obras escultóricas, expresándose cada vez más claramente la terribilitá, abundando las posturas forzadas y la inestabilidad de las figuras, utilizando además la técnica hoy conocida como de non finito, dejando voluntariamente sin acabar y sin pulir ciertas partes de las figuras, dotándolas así de gran fuerza expresiva Estos cambios supusieron la ruptura con el equilibrio y el acabado perfecto que caracterizan el Clasicismo, comenzando una manera tan personal de esculpir que hay quien considera ya Manierismo.

Tumba del papa Julio II

Tumba del papa Julio II

Moisés (detalle de la tumba de Julio II)

Moisés (detalle de la tumba de Julio II)

Capilla de los Medicis

Capilla de los Medicis

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Tumbas de Lorenzo y Juliano de Medicis

Juliano y Lorenzo de Medicis (esculturas de sus tumbas)

Juliano y Lorenzo de Medicis (esculturas de sus tumbas)

ÚLTIMOS AÑOS

Los últimos años son de profunda espiritualidad, influida por el espíritu de Trento y la crisis del Humanismo racionalista que favorece la vuelta a la exaltación de los valores espirituales. Así, su estilo sigue evolucionando y culmina el proceso artístico iniciado en su madurez: renuncia a la belleza corporal y al equilibrio clásico, interesándole sólo plasmar un mensaje espiritual lleno de dramatismo, adoptando así un lenguaje formal plenamente manierista.

Piedad (catedral de Florencia)

Piedad (catedral de Florencia)

Piedad Rondanini

Piedad Rondanini

En resumen, el equilibrio clasicista entre la belleza ideal y la realidad expresiva alcanza con Miguel Ángel su cota máxima, pero también es con Miguel Ángel con quien ese equilibrio se rompe, lo que significará el fin del Renacimiento Clasicista y el nacimiento de un nuevo lenguaje, el Manierismo.

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Renacimiento: Escultura del Quattrocento

Como hemos venido viendo tanto en arquitectura como en pintura, durante el Renacimiento se recupera el interés por la Antigüedad Clásica y es tomada como modelo para la realización de las piezas artísticas del momento.

San Jorge (Donatello)

San Jorge (Donatello)

CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA RENACENTISTA

  • El eje central es la figura humana y su representación de acuerdo a la realidad natural, en consonancia con el antropocentrismo que rige la cultura del momento
  • La realidad se racionaliza e idealiza, buscando la belleza formal: el gran logro del Renacimiento es haber conseguido el equilibrio entre realidad e idea, entre realismo e idealismo. Según las épocas y los artistas dominará un realismo más naturalista (Quattrocento), más idealizado (Cinquecento) o la ruptura con la realidad y el equilibrio clásico (Manierismo)
    • Perfección anatómica y canon de proporciones
    • Movimiento equilibrado a través del contraposto y el movimiento en potencia
    • Actitudes serenas, solemnes y armoniosas
    • Composiciones claras y ordenadas
    • Perspectiva lineal
  • Se busca la perfección técnica y la minuciosidad, trabajándose magistralmente tanto mármol como bronce (materiales preferidos por los escultores de la época)
  • La función del arte sigue siendo exaltar el sentimiento religioso, pero también embellecer la ciudad, perpetuando la memoria de los poderosos. El fin último de la escultura renacentista es el arte por el arte, el goce estético
  • Se dan gran variedad de géneros y campos escultóricos
    • Relieve y bulto redondo
    • Diversos soportes: puertas monumentales, púlpitos, retablos, tumbas, sillerías, fuentes…
  • La temática también es variada: temas religiosos, profanos (alegóricos, mitológicos…) y retratos
  • Los artistas firman sus obras, reflejando diversos estilos y concepciones estéticas. Los principales son Ghiberti, Donatello y Miguel Ángel

LORENZO GHIBERTI (Quattrocento)

A caballo entre el gótico y el renacimiento, en 1401 ganó el concurso para decorar las segundas puertas del Baptisterio de la catedral de Florencia, donde incluyó 28 escenas sobre la vida de Cristo y otros temas religiosos.

Puerta del Paraíso

Puerta del Paraíso

En 1425 recibió el encargo de las terceras puertas del Baptisterio, que decoró con diez bajorrelieves de bronce dorado que representan escenas del Antiguo Testamento. El estilo es diferente al anterior: ahora juega con el tamaño y la profundidad de los relieves, introduciendo además edificios y paisajes, dando lugar a lo que conocemos como relieve pictórico. Años después sería Miguel Ángel quien bautizaría esta puerta como “Puerta del Paraíso”, nombre por el que seguimos conociéndola hoy en día.

DONATELLO (Quattrocento)

El más importante escultor del Quattrocento, fue discípulo de Ghiberti, y su obra combina el realismo, el gusto por la expresividad y la plasmación de emociones. Trabaja todo tipo de materiales, todos los estados de ánimo y todas las edades del ser humano (desde la infancia hasta la vejez).

Su obra más importante es el David, realizado para la familia Medici. En bronce, la figura representa al rey bíblico como un adolescente justo después de vencer a Goliat, cuya cabeza se encuentra a sus pies. El personaje aparece desnudo, con expresión serena, postura de contraposto y curva praxiteliana, todo ello referencias al arte clásico, en el que se inspira.

David

David

Otra de sus obras, y de gran trascendencia, es el retrato ecuestre del Condotiero de la república veneciana Erasmo de Narni, conocido como Gattamelata: escultura de bronce, de bulto redondo, inspirada en la escultura ecuestre de Marco Aurelio, inicia el género de escultura ecuestre renacentista.

Condotiero Gattamelata

Condotiero Gattamelata

Antes de pasar a Miguel Ángel y el Cinquecento (que veremos en una entrada diferente debido a su complejidad y extensión), os dejo un vídeo de Artehistoria donde se resume sumamente bien la escultura del Renacimiento en Europa. Espero que os guste.

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Arte Gótico: Escultura

Tras un período de coexistencia con el Románico, el siglo XIII supuso la madurez de la escultura gótica, dando lugar a un nuevo estilo que a continuación detallaremos.

Portada de la Majestad, Colegiata de Toro

TEMÁTICA

  • Incorpora nuevos temas religiosos, continuando con su finalidad didáctica. Ahora la imagen de Dios ya no es terrible, sino paternal, amable, cercana, misericordiosa… es el Dios del amor. A la figura del Cristo majestuoso (Pantocrator románico) le sucede la figura del Cristo-hombre, cobrando la Virgen una gran relevancia temática, así como la vida de los santos y las escenas evangélicas.
  • Se introducen temas profanos: retratos, escenas de género…

LENGUAJE FORMAL

Se resume en el “Naturalismo Gótico”, con las siguientes características:

Catedral de Reims, fachada oeste. Anunciación y Visitación

  • Perfecta representación de la figura humana, preocupándose ya por la anatomía y el volumen. Los rostros se individualizan, presentando además actitudes naturales.
  • Humanización de los personajes: figuras expresivas que se comunican entre sí, reflejan sentimientos… Presentan una expresión contenida, serena, la “sonrisa gótica”. Además, la figura deja de estar condicionada por el marco.
  • Cierta idealización de la realidad, buscado la belleza formal.

NUEVOS GÉNEROS ESCULTÓRICOS

La escultura monumental (al servicio de la arquitectura) sigue siendo muy importante, centrándose en las portadas, pero aparecen géneros nuevos: sepulcros, púlpitos, retablos, coros… desarrollándose enormemente la escultura exenta.

  • Portadas. Función docente, predominando la escultura sobre los elementos arquitecónicos. Las principales escenas narrativas se siguen localizando en los tímpanos, mientras el parteluz se reserva la figura de Cristo o María. En las jambas se representan esculturas (santos) sobre una ménsula y cubiertas por un doselete. En las arquivoltas se presentan coros angélicos o los ancianos del Apocalipsis. Parece además existir una distribución preestablecida de los temas según las fachadas:
    • Occidental: historia de Cristo
    • Norte: historia de María
    • Sur: Juicio Final

Portada del Bello Dios, catedral de Amiens

Portada de la Virgen Dorada, parteluz, catedral de Amiens

  • Escultura exenta:
    • El Crucificado: con tres clavos, dando muestras de sufrimiento puesto que se representa como Dios-hombre.

Cristo de San Agustín, Sevilla (reproducción siglo XX)

    • Virgen con el Niño: joven bella, dulce y sonriente, sostiene amorosamente al Niño en brazos. Es una Virgen-madre (no la Virgen-trono románica)

Virgen Blanca, catedral de Toledo

  • Retablos. Gran desarrollo, sustituyendo en gran medida la pintura mural. Pueden constituirse por esculturas o pinturas. Son estructuras de madera policromada que presiden capillas y altares de los templos. Su origen lo encontramos en los trípticos y polípticos italianos y flamencos, variando su forma a lo largo del tiempo.

Retablo mayor de la Cartuja de Miraflores

  • Sillerías de Coro. Sillerías de madera noble que se encuentran en el coro de las catedrales, decoradas con relieves.

Coro de Santa María la Real, Nájera

  • Escultura funeraria. Gran desarrollo, por afán de perpetuación y signo de prestigio de las clases dirigentes y adineradas.

Sepulcro del Doncel de Sigüenza

EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GÓTICA

  • Siglo XIII se caracteriza por el naturalismo idealizado y sereno
  • Siglo XIV adquieren más relevancia las Vírgenes con Niño y los sepulcros
  • Siglo XV la escultura es muy realista, cuyos rostros son auténticos retratos

Para terminar, os dejo un vídeo de Artehistoria que resume perfectamente la escultura gótica. Espero que os guste.

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Arte Románico: Escultura

Después de enfrentarnos a la Arquitectura Románica, le llega el turno a la Escultura. El motivo de que se haya hecho así la separación es debido a que, sin conocer las características de la Arquitectura, sería muy difícil poder entender tanto Escultura como Pintura, que nos llegará en la siguiente entrega. Vamos con ello.

"La duda de Santo Tomás", claustro de Santo Domingo de Silos

“La duda de Santo Tomás”, claustro de
Santo Domingo de Silos

CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESTULTURA (Y LA PINTURA) ROMÁNICAS

  • Subordinación de las artes plásticas a la arquitectura
  • Temática religiosa y con finalidad docente
  • Valores estéticos: expresividad, antinaturalismo, simbolismo

ESCULTURA ROMÁNICA

  • Limitada a algunas partes (portadas, capiteles, cornisas…) se conciben más como estructuras arquitectónicas decoradas que como obras escultóricas propiamente dichas
  • Desaparición de cualquier intento de representar el ambiente circundante y de representar a los personajes con criterios realistas
  • Métodos de escultura: desde la simple incisión al bulto redondo, con preponderancia casi absoluta del bajorrelieve
  • Realización tosca, vivaz y generalmente muy expresiva
  • Temas y valores que priman muestran interés docente: transmitir a los files un mensaje religioso trascendente.


La Portada Románica

 

Partes de una portada románica

Partes de una portada románica

  • TÍMPANO: lugar donde se despliega el tema escultórico más amplio, formando escenas. Frecuentemente representa al Pantocrátor con el Tetramorfos. Otro tema muy representado es el del Juicio Final, con los benditos a la derecha y los réprobos a la izquierda
  • DINTEL: elemento estructural horizontal que salva un espacio libre entre dos apoyos, permite abrir huecos en los muros para conformar puertas y ventanas
  • ARQUIVOLTAS: decoración geométrica, vegetal o pequeñas figuras, dispuestas radialmente
  • PARTELUZ: se coloca la imagen de Cristo, la Virgen o el Santo al que se dedica el templo
  • JAMBAS: pueden ser columnas desnudas, con capiteles decorados, o colocarse figuras alargadas de apóstoles o santos


La Escultura Exenta

  • CRISTO CRUCIFICADO: Cristo en Majestad, de cuatro clavos, con corona de rey y túnica tipo sirio o faldón
"Cristo crucificado en majestad" o "Majestad Batlló"

“Cristo crucificado en majestad” o “Majestad Batlló”

  • VIRGEN CON EL NIÑO: tipo Salvador (influencia bizantina), con el Niño sentado en las piernas de la Virgen
Virgen Blanca de la Catedral de Tudela

Virgen Blanca de la Catedral de Tudela

ESCULTURA ROMÁNICA EN ESPAÑA

Es más temprana que el desarrollo de la arquitectura ya que se poseen testimonios desde inicios del siglo XI. Sus características son similares a las del románico europeo, pero con unas peculiaridades: temas vegetales, animales híbridos entrelazados, grifos de influencia normanda y oriental…

  • En la península Ibérica, dentro del primer románico de principios del siglo XI, destacan los dinteles de San Genis les Fonts (Rosellón) y de San Andrés de Sureda, donde aparece representada la maiestas domini acompañada por los doce apóstoles.
San Genís les Fonts

San Genís les Fonts

Dintel de San Andrés de Sureda

Dintel de San Andrés de Sureda

  • El románico pleno se caracterizó por la escultura monumental en piedra para la decoración de los templos, tanto en las arquivoltas, tímpanos y jambas de sus fachadas como en los claustros de los monasterios, en los capiteles de las columnas o los canecillos y modillones de los aleros salientes. Ejemplos: Puerta de las Platerías en Santiago de Compostela; las portadas del Cordero y del Perdón de San Isidoro de León; los temas de la Crucifixión, las tres Marías ante el sepulcro y la Ascensión de Cristo, la fachada del monasterio de Ripoll y el tímpano del Crismón flanqueado por leones de la catedral de Jaca. El claustro de Santo Domingo de Silos presenta en sus columnas pareadas relieves escultóricos referidos a la pasión de Cristo y sus capiteles están decorados con representaciones vegetales y animalísticas. También en el claustro de la antigua catedral románica de Pamplona existieron capiteles interesantes, especialmente entre los dedicados a Job y a la pasión de Cristo (Museo de Navarra en Pamplona).
Fachada de las Platerías, Catedral de Santiago de Compostela

Fachada de las Platerías, Catedral de Santiago de Compostela

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Puerta del Cordero, San Isidoro de León

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Puerta del Perdón, San Isidoro de León

  • Un elemento clave en la transición hacia el estilo gótico son las estatuas-columna del famoso pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela, obra atribuida al maestro Mateo.
Pórtico de la Gloria, Catedral de Santiago de Compostela

Pórtico de la Gloria, Catedral de Santiago de Compostela

En el ámbito de la escultura exenta o de bulto redondo destacan las representaciones de la Virgen sedente, entronizada con el Niño Jesús acomodado en su regazo y del Cristo crucificado o en Majestad, realizadas en madera y en la mayoría de los casos policromadas. El más conocido es el Cristo de  Batlló y las Vírgenes de la catedral de Gerona o la de Covet, también en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Virgen románica de Covet

Virgen románica de Covet

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Arte Romano: Escultura, Pintura, Mosaico

Estatua ecuestre del emperador Marco Aurelio

Estatua ecuestre del emperador Marco Aurelio

LA ESCULTURA ROMANA

La escultura romana, igual que la griega, posee un carácter antropocéntrico, aunque a diferencia de la griega, la romana busca plasmar los rasgos físicos de una persona que en un momento determinado sirvió a Roma. Frente a la belleza abstracta griega, Roma se centró en el realismo práctico.

CARACTERÍSTICAS

  • Técnica: predominio absoluto del mármol y del bronce como materiales
  • Temática: fundamentalmente humana, destacando el retrato y el relieve-crónica
  • Tipologías: se realizaron esculturas de bulto redondo exentas y relieves
  • Función: religiosa (como propaganda del culto imperial), didáctica (exalta las virtudes tradicionales romanas), propagandística (hace publicidad del imperio y de sus emperadores)

TIPOS: Retrato, Relieve-Crónica y Relieve Funerario

RETRATO

  • Época republicana. Es de gran realismo, algunos verdaderos estudios psicológicos, influenciados por las imágenes maiorum, máscaras de cera que se tomaban directamente sobre la cara del difunto para colocarse luego en las casas romanas, como culto a los antepasados.

Brutus Barberini con dos imágenes maiourum

  • Época de Augusto. Formas ligeramente idealizadas.

Augusto de Prima Porta

  • Siglo II d.C. Continúa el idealismo, prestando especial atención al cabello y, a partir de Adriano, a la barba. Los retratos ecuestres toman especial importancia.

Busto de Adriano

  • Finales siglo II d.C. Se empezaron a marcar las pupilas en los ojos.

Caracalla

  • Bajo Imperio. Importante descenso de la producción de retratos.

El cuerpo era algo que no preocupaba especialmente a los romanos, por lo que tendían al idealismo (al contrario que los rostros). Solían hacerse aparte, y los escultores tan sólo les colocaban la cabeza.

Los retratos de los emperadores suelen ir acompañados de los símbolos de su poder, distinguiéndose tres tipos:

  • Togata: el emperador aparece vistiendo una toga con la cabeza cubierta, representando el título de Pontifex Maximus, máxima autoridad religiosa
  • Thorocata: aparece vestido con la indumentaria militar, representando el título de Imperator, jefe del ejército
  • Apoteosica: aparece desnudo con el laurel y el águila, símbolos de Roma, representando el título de Augusto, antes sólo reservado a las divinidades

A continuación podéis ver un vídeo acerca de la evolución del retrato romano:

RELIEVE-CRÓNICA

Consiste en un bajo, medio o alto relieve situado en monumentos conmemorativos (arcos de triunfo, columnas conmemorativas, altares…). Los primeros aparecieron durante la República, aunque se dieron con mayor profusión durante el Alto Imperio.

Ara de Domicio Enobarbo (época republicana)

Especial importancia tiene aquí el Ara Pacis Augustae: altar de mármol, con escalera y puerta, con los orígenes de Roma como tema representado sobre sus paredes. Se realizó para conmemorar la Pax Romana, época de paz que vivió Roma bajo Augusto.

Ara Pacis Augustae

Ara Pacis, sección

Posteriormente surgieron otros temas:

  • Con los Claudios surgió un nuevo tema conocido como la profectio: salida a una campaña militar
  • Con los Flavios la novedad fue el adventus o llegada triunfal del emperador tras la campaña
  • En tiempos de Trajano destaca la narratio o descripción de una campaña militar, como es el caso de la Columna Trajana

Columna Trajana, detalle del relieve

La decadencia del relieve-crónica se inició durante el Bajo Imperio

RELIEVE FUNERARIO

Es un tipo de relieve que decoraba los sarcófagos, contando con variada temática, generalmente religiosa. Primero sus temas fueron dioses paganos, como Marte, y a finales del Imperio mandaban ya los temas cristianos.

LA PINTURA ROMANA

La conocemos a partir de los ejemplos procedentes de la ciudad de Pompeya, que los conservó al ser sepultada por las cenizas del Vesubio en la antigüedad. En ella distinguimos cuatro estilos:

  • Estilo de incrustaciones: imitaba la decoración de mármoles.

  • Estilo arquitectónico: simulaba estructuras arquitectónicas que generaban, a través de la perspectiva, una falsa sensación de profundidad junto a temas figurativos.

  • Estilo ornamental o de candelabros: usó como elementos decorativos arquitecturas fantásticas, guirnaldas y amorcillos.

  • Estilo ilusionista: es una mezcla de los anteriores, donde se introdujeron paisajes imaginarios, formas arquitectónicas fantásticas y escenas mitológicas.

EL MOSAICO ROMANO

Se trata de una superficie mural o pavimental decorada mediante la incrustación de pequeños trozos de piedra (teselas).

Mosaico de Villa Cassale, Sicilia

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