Pintura Barroca Holandesa: Rembrandt

En Holanda, república burguesa y protestante, tenemos un reflejo de ello en su pintura: desaparece la pintura de iglesia y los lienzos se vuelven más pequeños para ser contemplados en las casas.

Respecto a la temática, los temas bíblicos del Antiguo Testamento, perdiendo importancia la mitología y ganándola el retrato, que se convierte en el tema más importante. Éste es tanto individual como colectivo, siendo estos últimos retratos de gremio, donde sus dirigentes pretendías hacer ostentación de sus cargos. Los paisajes, los interiores burgueses y los bodegones son otros temas representados.

El gusto por el detalle, el amor hacia lo cotidiano, las pinceladas sueltas de color y la preocupación por la luz serán otras de sus notas definitorias.

REMBRANDT

Es el pintor por excelencia de la burguesía pudiente y adinerada holandesa, siendo el primer artista que no depende del mecenazgo de la corte o de la nobleza, sino que vende sus productos en el mercado.

  • TÉCNICA. Preocupación por los efectos lumínicos. En sus cuadros la luz es suave, tamizada… las figuras quedan envueltas en penumbras graduadas, misteriosas. Las sombras están llenas de matices y detalles escondidos que invitan al espectador a la observación. Destaca el hecho principal con una luz más clara, siendo un maestro en la gradacion tonal, en una paleta donde abundan ocres, marrones y tostados.
  • RETRATOS DE GALERÍA. Eran retratos colectivos de una cofradía o agrupación, afirmación de la burguesía del momento: hombres normales pero triunfadores en la cada vez más próspera Ámsterdam. Realizó tres obras memorables encargadas para decorar las salas de sus respectivas corporaciones.
La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp

La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp

Ronda de Noche o La compañía del capitán Banning Cocq

Ronda de Noche o La compañía del capitán Banning Cocqç

El síndico de pañeros

El síndico de pañeros

  • AUTORRETRATOS. Se conservan más de 60, siendo una auténtica obsesión para él, obsesionado (como buen barroco) por el paso del tiempo.
Autorretrato, 1658

Autorretrato, 1658

  • CRISIS. En plena madurez sufrió una crisis financiera que desembocó en una crisis humana y religiosa, lo que acabó reflejándose en su pintura: se volvió más expresiva, con pincelada más suelta y vibrante, y es cuando surgieron cuadros más melancólicos o dramáticos.
Aristóteles contemplando el busto de Homero

Aristóteles contemplando el busto de Homero

El buey abierto en canal

El buey abierto en canal

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Pintura Barroca Española. Diego Velázquez

Características de la pintura barroca española:

  • En los temas encontramos un predominio de la temática religiosa: vida de santos (misticismo); retratos reales y de nobles. El tema mitológico es menos abundante, practicándose también el bodegón, pintura de género, pintura histórica, paisaje
  • Falta de movilidad física, compensada por el dinamismo compositivo y los contrastes
  • Naturalismo, buscando modelos de la época. Se representa tanto lo bello como lo horroroso, lleno de simbolismo
  • Partiendo del tenebrismo, en España se desarrolló un tratamiento lumínico propio

Pintores sobresalientes del Barroco español son:

  • José de Ribera, introductor del naturalismo de Caravaggio
Juicio de Salomón, José de Ribera

Juicio de Salomón, José de Ribera

  • Francisco de Zurbarán, representante de los ciclos de pinturas monásticas, dominando el color blanco
San Hugo en el refectorio de los Cartujos, Francisco de Zurbarán

San Hugo en el refectorio de los Cartujos, Francisco de Zurbarán

  • Bartolomé Esteban Murillo, pintor de los grupos marginados, de niños de la calle, de escenas cotidianas que convierte en temas religiosos
Sagrada Familia del pajarito, Bartolomé Esteban Murillo

Sagrada Familia del pajarito, Bartolomé Esteban Murillo

  • Diego Velázquez, pintor de corte de Felipe IV, lo que le permitió huir de la temática religiosa de sus contemporáneos

DIEGO DE SILVA Y VELÁZQUEZ

  • Temática muy abundante: mitología, pintura de historia, de género, paisaje, retratos y religiosa
  • Técnica al óleo, con evolución desde la pincelada fina y calidad hiperrealista hacia otra pincelada de grandes manchas, “impresionista”, que va apareciendo poco a poco en su producción hasta hacerse primordial en sus últimas obras. Pintaba además sin dibujo previo
  • Estilo varía enormemente desde sus primeras obras, tenebristas, hasta la aclaración total de su paleta, convirtiéndose en el gran maestro de la perspectiva aérea del siglo XVII
  • Composiciones sin movimiento, pero la figuras están dispuestas para obligarnos a contemplarlas a “golpes de vista”, generando tensión en su observación. Contrapone personajes y situaciones distintas para producir un dinamismo que supla la inexistencia de movimiento físico
  • Emplea el naturalismo usando elementos de su realidad cotidiana en todas sus obras, pero reflexionando sobre esa realidad, realizando bras de un alto contenido intelectual de compleja interpretación

ETAPA SEVILLANA

Período de formación junto a Francisco Pacheco. Obras de técnica tenebrista y tonos madera. La pincelada es fina, con figuras de potentes volúmenes y sensación de relieve, predominando las escenas de género con tipos populares, los bodegones, las naturalezas muertas.

Vieja friendo huevos

Vieja friendo huevos

El aguador de Sevilla

El aguador de Sevilla

PRIMERA ETAPA MADRILEÑA

Llamado a la Corte por el Conde Duque de Olivares fue nombrado pintor real por Felipe IV, convirtiéndose desde entonces el rey en su mejor cliente. Realiza una serie de retratos del rey y de las personas de la Corte, interesado en captar el carácter del representado.Entre los retratos más significativos de esta época empiezan a aparecer los bufones y enanos de la corte. Sus tonos madera van quedando atrás, adoptando una pincelada cada vez más suelta.

Demócrito

Demócrito

El bufón Calabacillas

El bufón Calabacillas

El triunfo de Baco

El triunfo de Baco

PRIMER VIAJE A ITALIA

Influenciado por la visita de Rubens a España, pide licencia al rey para viajar a Italia a completar sus estudios. Allí asimila los recursos de los grandes maestros italianos y abandona los restos de tenebrismo que aún le quedaban. Su pintura se vuelve más fluida, estudiando la perspectiva aérea. La obra que resume los logros de este viaje es “La fragua de Vulcano”, presentando en ella dos elementos inusuales en la pintura barroca española: mitología y desnudo, elementos que funde dentro de una escena de género. En esta obra Velázquez nos narra la llegada de Apolo a la fragua de Vulcano para comunicarle el adulterio de Venus con Marte. El análisis psicológico de las expresiones y los contrastes entre Apolo y el resto de los personajes (mitología y vida común) son plenamente barrocos.

La fragua de Vulcano

La fragua de Vulcano

SEGUNDA ETAPA MADRILEÑA

Tras su vuelta de Italia y ampliada su formación, inició la decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, ideando numerosas piezas especialmente con este fin, entre ellas “La rendición de Breda” o diversos retratos de Felipe IV, la reina Isabel de Borbón y del príncipe Baltasar Carlos. Continuó con los retratos, como el que hizo del Conde Duque, y con obras  en las que retrataba a los bufones de la corte.

La rendición de Breda

La rendición de Breda

Retrato de Felipe IV a caballo

Retrato de Felipe IV a caballo

El príncipe Baltasar Carlos a caballo

El príncipe Baltasar Carlos a caballo

Retrato de el Conde-Duque de Olivares a caballo

Retrato de el Conde-Duque de Olivares a caballo

Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas

Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas

Pablo de Valladolid

Pablo de Valladolid

SEGUDO VIAJE A ITALIA

En 1649 inicia un nuevo viaje a Italia, esta vez un viaje encargado por el Rey, en busca de cuadros destinados a la colección de la corona. Allí continúa con sus retratos psicológicos con el retrato del papa Inocencio X, evolucionando su técnica hacia el “impresionismo” con su serie de obras pintadas en la villa Médicis. De esta época es también su único desnudo femenino: “La Venus del espejo”.

Retrato del papa Inocencio X

Retrato del papa Inocencio X

Vista del jardín de Villa Médici en Roma

Vista del jardín de Villa Médici en Roma

Venus del espejo

Venus del espejo

PERÍODO FINAL

A la vuelta de Italia lleva a su cima la vaporosidad de la luz, su pincelada suelta, los tonos rosados y el sublime tratamiento de la luz. En estos momentos realiza retratos, siendo “Las Meninas” la obra cumbre de este período.

Las Meninas

Las Meninas

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Pintura Barroca Flamenca: Rubens

Desde 1609 Flandes se encontraba en la práctica separada de los Países Bajos y más unida que a ellos a la monarquía española, lo que se refleja en las características de su escuela pictórica.

  • Catolicismo imperante, que contribuye a mantener la importancia de los temas religiosos, nota diferencial respecto a la escuela holandesa. Abundan grandes lienzos para iglesias reflejando vidas de santos y exaltación de los sacramentos
  • Carácter alegre de la pintura, inclinándose por los aspectos placenteros de la vida. Los temas costumbristas son el género cultivado con más frecuencia. Los bodegones flamencos ilustran opulentas mesas que rebosan frutas y manjares, piezas de caza, comida atractiva… en contraste con la austeridad de los bodegones españoles. Por otro lado, nobleza y monarquía también se interesan por escenas mitológicas para la decoración de sus palacios, con escenas de marcada sensualidad

PEDRO PABLO RUBENS

ESTILO: se resume en la exaltación del color, del movimiento y de la forma gruesa

  • Color. La gama de colores utilizados, la soltura de la pincelada y la intensidad de la paleta da un brillo especial a su pintura
  • Las composiciones adquieren gran dinamismo: músculos en tensión, diagonales enérgicas…
  • Desnudo de gran corporeidad: el masculino destaca por su colosalismo y el femenino por la sensualidad. Será un desnudo de carnes blandas y opulentas. Sus mujeres gruesas muestran su inclinación hacia la figura redonda de formas ampulosas, considerándose un ideal estético del siglo

OBRA: supera ampliamente los dos mil cuadros, aunque buena parte de ellos fueron realizados por su taller, interviniendo el maestro más o menos según el precio que se pagase. Normalmente, Rubens establecía la composición, seguía la elaboración y acababa la obra para dejar constancia de su peculiar pincelada.

  • Escenas religiosas
Adoración de los Reyes

Adoración de los Reyes

  • Escenas mitológicas
Las tres Gracias

Las tres Gracias

  • Escena históricas, donde aparece también la mitología
Desembarco de María de Médicis

Desembarco de María de Médicis

  • Retratos
El duque de Lerma a caballo

El duque de Lerma a caballo

  • Paisajes
Atalanta y Meleagro cazando al jabalí de Calidonia

Atalanta y Meleagro cazando al jabalí de Calidonia

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Pintura Barroca Italiana. Caravaggio

EL BARROCO EN ITALIA

En la Italia del Barroco se dieron dos tendencias pictóricas: el clasicismo y el naturalismo.

  • El clasicismo representado por los CARRACI se especializó en decorar al fresco techos de palacios con imágenes mitológicas y alegóricas de colores claros volviendo a las proporciones humanas ideales.
  • Pero la pintura naturalista italiana tendrá una mayor influencia en la historia del arte, sobre todo por la labor del que se considera su creador, Michelangelo Merisi, IL CARAVAGGIO

MICHELANGELO MERISI, “IL CARAVAGGIO”

La pintura de Caravaggio es enormemente innovadora y quizás por ello también incomprendida en su tiempo. Sus contemporáneos alabaron su talento, pero le reprocharon el mal uso que hizo de él. Sus aportaciones más geniales fueron la creación del naturalismo y el tenebrismo pictóricos. Ambos recursos pretenden sorprender y emocionar, en la línea del espíritu barroco general.

NATURALISMO: sus obras siempre se inspiran en tipos de la realidad que le rodea: jugadores, hampones, prostitutas, gitanos… Existen ejemplos en todas las etapas de su producción artística.

  • En su fase inicial (1590-1599) usará como modelos a jóvenes lánguidos, afeminados y ambiguos como en su famoso Baco, o disfrazados de músicos travestidos, como El tañedor de laúd
Baco

Baco

El tañedor de laúd

El tañedor de laúd

  • En su fase de madurez (1600-1606) varios mecenas le pidieron realizar de nuevo algunas obras, como la de San Mateo y el ángel, por la poca dignidad de los representados (Mateo parecía un vulgar anciano y el ángel un joven pícaro). Otras obras levantaron gran polémica como la Virgen de Loreto que mostraba en primer plano un peregrino con los pies enlodados, lo que el pueblo entendió como una falta de respeto. Peor suerte corrió La muerte de la Virgen que fue retirada de la iglesia que se la encargó porque imitaba con demasiada exactitud el cadáver hinchado de una prostituta encontrada ahogada en el Tíber.
Virgen de Loreto

Virgen de Loreto

Muerte de la Virgen

Muerte de la Virgen

  • Su etapa final (1606-1610) coincide con el exilio, pintando cuadros religiosos para las iglesias del sur de Italia y Malta, mientras huía de la justicia. Aunque será adulado e incluso entrará a formar parte de la Orden de Malta, alguna de sus obras sigue siendo rechazada por las razones anteriores como La virgen del Rosario
Virgen del Rosario

Virgen del Rosario

TENEBRISMO: Será en su etapa intermedia, de madurez, cuando Caravaggio cree una visión revolucionaria de la luz: el tenebrismo. La luz deja de tener un foco natural, se concentra en unos lugares del cuadro, mientras otros quedan en la penumbra y oscuridad, para resaltar violentamente las partes iluminadas. El contraste lumínico tiene una enorme fuerza expresiva. Los ejemplos en los que podemos apreciar esta técnica son innumerables. Destacamos dos series de lienzos monumentales que pintó para sendas capillas romanas que siguen conservándose “in situ”.

  • En Santa María del Popolo, para la capilla Cerasi, pintó La crucifixión de San Pedro y La conversión de San Pablo (1600-1601)
Crucifixión de San Pedro

Crucifixión de San Pedro

Conversión de San Pablo

Conversión de San Pablo

  • En San Luis de los Franceses, para la capilla Contarelli, La vocación de San Mateo, San Mateo y el ángel y El martirio de San Mateo (1601-1602)
La vocación de San Mateo

La vocación de San Mateo

Martirio de San Mateo

Martirio de San Mateo

NUEVOS TEMAS. Fue Caravaggio el que ya en su juventud inventa el bodegón moderno con Cesto de frutas

Cesto de frutas

Cesto de frutas

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Pintura Barroca: Características generales

El Barroco desarrolla durante el siglo XVII un nuevo lenguaje estético que responde a las condiciones históricas del momento y a los objetivos o fines que ahora persigue el arte. Junto a su tradicional función decorativa, el arte tiene finalidad propagandística, adoptándose un lenguaje formal de carácter retórico (convencer por las apariencias) en el que prime lo sensorial sobre lo racional, siendo asequible a todo el mundo.

RASGOS DEFINITORIOS DEL LENGUAJE PICTÓRICO BARROCO

  • REALISMO en los temas. Interés por representar todos los aspectos de la realidad sin rechazar lo feo o desagradable, implicando gran diversificación y renovación temática
    • TEMAS RELIGIOSOS. Lugar preferente en el mundo católico, tratados con lenguaje asequible y natural para acercar el hecho religioso a las masas. Predominan temas que exaltan dogmas y verdades católicas (martirios, milagros…)
    • TEMAS PROFANOS. Gran desarrollo, especialmente cultivados en países protestantes. Por un lado se tocan temas ya tratados (mitología, historia…) y por otro aparecen nuevas temáticas (escenas de costumbres, interiores, paisajes, bodegones…)
  • REALISMO en el lenguaje formal
    • Abandono de la abstracción de bellezas ideales, buscando el realismo concreto e individualizado. Podrá ser un realismo naturalista (Velázquez) o más idealizado, de tono heroico y clasicista
    • Interés por la expresión de estados anímicos y por el movimiento: figuras en actitudes dinámicas, proyectadas hacia afuera. Buscando la expresividad se adopta un lenguaje teatral, efectista y exaltado que pretende deslumbrar y emocionar al espectador.
    • Cuidada composición, ahora asimétrica, dominando las diagonales y el ritmo ondulante que dinamiza las escenas. A menudo se desarrollan composiciones que buscan el ilusionismo óptico, confundiendo espacio real y espacio pictórico.
  • REALISMO técnico
    • El color sustituye al dibujo creando formas y efectos espaciales. La pincelada es suelta, vibrante, discontinua
    • La luz: a través del juego de luces y sombras, sirve para modelar las figuras, creando efectos espaciales. Recibe distintos tratamientos:
      • Luz natural de suaves contrastes que favorece la plasmación natural de la realidad  el espacio (Velázquez)
      • Tenebrismo: luz focal que se proyecta de forma violenta e intensa sobre una zona dejando en sombra el resto, provocando acusados contrastes de luces y sombras y acentuando los efectos dramáticos (Caravaggio)
      • Luz simbólica: crea atmósferas densas y misteriosas (Rembrandt)
    • Conquista definitiva del espacio tridimensional. El mayor logro barroco es la plena conquista de la perspectiva aérea o atmósférica, siendo Velázquez su máximo exponente.
Felipe IV cazador, Velázquez

Felipe IV cazador, Velázquez

Crucifixión de San Pedro, Caravaggio

Crucifixión de San Pedro, Caravaggio

Aristóteles contemplando el busto de Homero, Rembrandt

Aristóteles contemplando el busto de Homero, Rembrandt

DIVERSIDAD DE TENDENCIAS Y ESCUELAS

Italia es el foco donde surge el nuevo estilo pictórico, dando las pautas al resto de Europa. Sin embargo, el Barroco presenta gran variedad de estilos como resultado de las diferentes realidades de la Europa Católica y la Europa Protestante, de las preferencias de los clientes y de la personalidad de los artistas.

  • Tendencia NATURALISTA. Centrada en la fiel captación de la realidad, con un realismo natural, sobrio, sin excesos expresivos o teatrales. Representantes: Caravaggio, Ribera, Velázquez y la escuela holandesa
María Magdalena, José de Ribera

María Magdalena, José de Ribera

  • Tendencia del REALISMO RETÓRICO Y TEATRAL, símbolo del Barroco más exaltado que realza los valores expresivos, el dinamismo y el efectismo natural. Su principal figura es Rubens
Desembarco de María de Medicis en el puerto de Marsella, Rubens

Desembarco de María de Medicis en el puerto de Marsella, Rubens

  • Tendencia CLASICISTA. Realismo académico e idealizante que recrea la naturaleza según modelos ideales de inspiración clásica, prestando gran importancia a la armonía compositiva y a la perfección formal. Representantes: Los Carraci, Poussin…
Et in Arcadia ego o Los pastores de Arcadia, Poussin

Et in Arcadia ego o Los pastores de Arcadia, Poussin

A continuación os dejo un vídeo donde podéis encontrar, a partir de cuadros reales que sirven de ejemplo, estas características generales de las que hemos venido hablando a lo largo de la entrada. Espero que os guste.

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Escultura Barroca en España

Una de las características de la escultura barroca en España fue implantación entre los escultores de los principios de la Contrarreforma. Los temas alegóricos y mitológicos se mantuvieron ausentes, por lo que la escultura barroca española casi se redujo a la imaginería, centrándose así en los temas religiosos.

Las imágenes eran encargadas tanto para altares y retablos de las iglesias como para pasos procesionales para la Semana Santa. Tres fueron los motivos preferidos:

  • Vida de los Santos: se buscaba mostrarlos en la actitud o virtud que le hiciera merecedor de los cielos, normalmente el martirio
  • Representaciones de María: el culto a la Virgen fue muy popular, consolidándose las representaciones de las distintas advocaciones marianas (la Inmaculada, la Virgen de las Angustias, de los Dolores, del Carmen…)
  • Pasión de Cristo: las representaciones de este tipo de multiplican (atado a la columna, camino del calvario, agonizando en la cruz, yacente).

En todas las imágenes podía manifestarse lo trágico, incluso lo cruel, intensificando lo patético para conmover al fiel y potenciar el fervor religioso. De esta manera nos encontramos con otro rasgo propio de la escultura hispana: la marcada expresividad de las figuras que trasmiten dolor, angustia, amor, odio. Para acentuar el realismo se introdujeron en la representación elementos ajenos a ella: la figura de Jesucristo comenzó a ser cubierta por mantos realizados en tela; el cuerpo se ceñía con cuerdas y la corona de espinas de la frente era una corona real. El realismo escultórico se llevó hasta sus últimas consecuencias: las bocas se abren y muestran perfectamente tallados la lengua y los dientes; la mirada se intensifica al incrustar en las figuras ojos de cristal o lágrimas del mismo material; la cabeza, en ocasiones, se reviste de pelo real.

Otra de las notas que diferenciaban la escultura barroca hispana de la que se ejecutaba fuera es el material en el que se realizaba: debido a la escasez y al alto precio del mármol se venía empleando madera policromada ya desde el Renacimiento. Esta tradición se mantuvo durante el Barroco, agudizando aún más el realismo de las figuras y su patetismo mediante las carnaciones.

  • ESCUELA CASTELLANA: GREGORIO FERNÁNDEZ. Gran realismo en la anatomía o en las calidades, exaltado expresionismo y dramatismo al servicio del sentimiento religioso, austera policromía. Crea modelos iconográficos que serán muy imitados: retablos y pasos procesionales, representaciones de Cristo sufriente, de la Virgen, de santos…
Cristo Yacente

Cristo Yacente

Cristo atado a la columna

Cristo atado a la columna

La Piedad

La Piedad

La Inmaculada Concepción

La Inmaculada Concepción

  • ESCUELA ANDALUZA: MARTÍNEZ MONTAÑÉS es el principal representante del foco sevillano y ALONSO CANO del foco granadino. En Andalucía el realismo tendrá un tono diferente al castellano: menor gusto por lo trágico, estilo más sosegado, sereno y reposado; mayor virtuosismo y detallismo en la talla y policromía más matizada y brillante.
Inmaculada de la catedral de Sevilla, La Cieguita. Martínez Montañés

Inmaculada (la Cieguecita) Martínez Montañés

San Jerónimo, Martínez Montañés

San Jerónimo, Martínez Montañés

Inmaculada del fascistol

Inmaculada del fascistol, Alonso Cano

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Escultura Barroca. Gian Lorenzo Bernini

La escultura brarroca tiene su origen en Italia de la mano de Bernini, a quien ya hemos visto como arquitecto. Con todo, a lo largo del siglo XVII coexisten otras escuelas escultóricas nacionales, como la francesa (cuya principal características es el clasicismo aunado al poder absoluto del rey) o la española (de marcado naturalismo al servicio de la Iglesia).

CARACTERÍSTICAS

  • Materiales: varían según la zona de producción, a veces incluso combinándose en una misma obra. Para obras destinadas a interiores, el barroco más cortesano prefiere el mármol, alabastro o bronce, mientras que el barroco más popular prefiere las maderas policromadas. Para los exteriores la piedra se utiliza de forma generalizada
  • Gran maestría técnica del escultor
  • Unifacialidad de la representación: esculturas concebidas para ser contempladas desde un punto de vista principal
  • Empleo de múltiples bloques de mármol u otro material para realizar una única obra
  • Importancia de la belleza del movimiento: gran dinamismo, predominando líneas diagonales y en aspa
  • Intención de plasmar el instante huyendo del estatismo clasicista. Las imágenes presentan un equilibrio inestable
  • Uso de paños como recurso para incrementar el efecto de movimiento mediante bruscos pliegues que con su profundidad provocan juegos de claroscuro
  • Imágenes más próximas a la realidad que en el Renacimiento, y expresiones exaltadas
  • Teatralidad: las obras están concebidas para un lugar o momento, y pierden sentido si las separamos de ahí
  • Temática: religiosa, civil, mitológica y alegórica

ESCULTURA BARROCA EN ITALIA: BERNINI

Su obra logró sintetizar las principales características de la escultura del siglo XVII, teniendo gran influencia en épocas posteriores. Trabajó fundamentalmente para la iglesia romana, algo que determinó los temas elegidos. Sus obras se caracterizan por la teatralidad y la frontalidad, el movimiento y la expresividad. Buscaba ofrecer efectos diversos puliendo la superficie de la piedra con distintos acabados o combinando materiales.

TRABAJOS JUVENILES. Sufragados por el cardenal Scipione Borghese, suponen un cambio de tendencia estética: de copiar obras clásicas o helenísticas pasó a desarrollar plenamente la estética barroca.

  • Rapto de Proserpina: rompe decididamente el equilibrio de lo clásico en lo formal (impetuoso movimiento) y en lo psicológico (expresión libre de los sentimientos)
Rapto de Proserpina

Rapto de Proserpina

  • David: antítesis más perfecta de su homónimo de Miguel Ángel. Por primera vez representa la acción en el momento en que se desata, expresando el rostro el esfuerzo necesario para tal fin
David

David

  • Apolo y Dafne: obra que mejor sintetiza las características de su estilo en esta época. Elige para su realización el momento culminante en el desarrollo de la acción y usa una composición basada en el uso de la línea en serpentín
Apolo y Dafne

Apolo y Dafne

ÉPOCA DE MADUREZ. Entre 1640 y 1654 se desarrolla el período más creativo de su carrera. En ese tiempo integró todas las artes, logrando el supremo espectáculo de la teatralidad barroca dentro de un templo. Eso lo consigue con su obra más emblemática:

  • Éxtasis de Santa Terresa: concebida para formar parte de la tumba del cardenarl Cornaro en Santa María de la Victoria (Roma). Es un extraordinario ejemplo del espíritu barroco al integrar las distintas artes (arquitectura, pintura, escultura) creando un gran efecto teatral. El grupo escultórico no puede separarse del marco que le rodea: capilla de mármoles y jaspes de colores que hacen las veces de escenario en cuyo interior, sobre una nube, se desarrolla la trama. Esta trama no es otra que la de una Santa Teresa en trance esperando a que un ángel traspase su corazón con una flecha de fuego. La iluminación, a través de una ventana oculta y con espejos para acentuar la luz indirecta, crea claroscuros que refuerzan el efecto de levitación sobre la nube. En los laterales, los sepulcros de pared se transforman en palcos de un teatro donde los difuntos de la familia Cornaro contemplan la escena.
Éxtasis de Santa Teresa, vista general de la capilla

Éxtasis de Santa Teresa, vista general de la capilla

Éxtasis de Santa Teresa

Éxtasis de Santa Teresa

  • Tumbas de los Papas Urbano VIII y Alejandro VII. Benini creó un tipo de tumba papal que constituyó un modelo funerario muy repetido hasta el siglo XIX: la tumba se convierte además en un monumento conmemorativo que incluye la figura glorificada del difunto
Tumba de Alejandro VII

Tumba de Alejandro VII

  • Fuentes monumentales, destacando la Fuente de los Cuatro Ríos
Fuente de los Cuatro Ríos

Fuente de los Cuatro Ríos

  • Retratos de busto: Retrato del duque Francisco I d’Este, Retrato de Luis XIV o la imagen de Constantino el Grande, donde impuso un nuevo monumento ecuestre con el caballo en corveta y el personaje heroizado
Luis XIV

Luis XIV

ESTILO TARDÍO. Hacia 1665 evolucionó buscando el expresivisto y la espiritualidad. Las figuras ahora se alargan y los ropajes se retuercen (ejemplo: Ángeles con los atributos de la Pasión). Es el momento también en que acaba la Cátedra de San Pedro, conjunto monumental que busca únicamente exaltar el trono de San Pedro.

Cátedra de San Pedro

Cátedra de San Pedro

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Barroco: Arquitectura en España

Durante el siglo XVII la situación política, social y económica de España fue de decadencia, viéndose afectada también la labor constructiva en estos momentos: los proyectos se redujeron, siendo la mayoría de tipo religioso y de poca envergadura.

La pobreza de los materiales fue una constante: el ladrillo, la mampostería o el tapial se emplearon a conciencia, cubriéndolas con yeserías de gran efecto ornamental y poco coste. La piedra, de esta forma, se reservó para las fachadas.

Otro rasgo importante sería la influencia del Monasterio del Escorial, importante hasta la mitad del siglo XVII. Hasta entonces gustaron los grandes volúmenes, la austeridad ornamental, el empleo de pináculos, bolas o chapiteles en las torres… Sin embargo hubo un progresivo desarrollo de la ornamentación que fue ganando terreno a la austeridad escurialense, seguramente por el empeño de ocultar la pobreza del material empleado. Hacia mediados del siglo se levantaron ya edificios con una carga decorativa más intensa, lo que se prolongó por el siglo XVIII.

Real Hospicio del Ave María y San Fernando (Madrid)

Real Hospicio del Ave María y San Fernando (Madrid)

FOCOS CONSTRUCTIVOS

  • Foco castellano: destaca por la utilización de molduras, estípites y vanos ovales.
  • Foco andaluz: predominan columnas salomónicas, los cortinajes y una variada decoración que recorre las fachadas
Colegio de San Telmo (Sevilla)

Colegio de San Telmo (Sevilla)

  • Foco compostelano: busca el efecto ornamental a través de los resaltes de los propios elementos constructivos como las pilastras, entablamentos o basas
Fachada del Obradoiro (Catedral de Santiago de Compostela)

Fachada del Obradoiro (Catedral de Santiago de Compostela)

URBANISMO

La preocupación urbanística, cuyo ejemplo más significativo está en las PLAZAS MAYORES, es otro rasgo del barroco hispano. Se concibieron como amplios espacios más o menos rectangulares rodeados de viviendas que se levantan sobre una zona porticada y que se comunica con el resto de la ciudad a través de una serie de arcadas situadas en los extremos. Habitualmente, en el centro se levantaba el Ayuntamiento.

Plaza Mayor (Madrid)

Plaza Mayor (Madrid)

Plaza Mayor de Madrid (detalle)

Plaza Mayor de Madrid (detalle)

Estaban pensadas para que sirvieran tanto de lugar de reunión y esparcimiento como de punto de contacto de los reyes con el pueblo. En algunos casos (y siguiendo el modelo francés) se colocó en su centro la figura ecuestre del monarca.

Plaza Mayor (Salamanca)

Plaza Mayor (Salamanca)

GRANDES CONSTRUCCIONES PALACIEGAS

Lo que realmente caracterizó a la arquitectura hispana del siglo XVIII fueron los grandes palacios de los Borbones, comenzados todos en los primeros años del siglo XVIII en los alrededores de Madrid.

PALACIO DE LA GRANJA. Concebido como lugar de retiro para que Felipe V pudiera disfrutar de la naturaleza y dedicar su tiempo a Dios tras abdicar en su hijo Luis. Los jardines y las fuentes adquieren gran importancia (a imitación francesa).

Palacio Real de  La Granja de San Ildefonso

Palacio Real de La Granja de San Ildefonso

PALACIO REAL DE MADRID. Tras la destrucción del Alcázar por un incendio, Felipe Juvara proyecta un nuevo edificio: rectangular, organizado en torno a un gran patio interior con los ángulos resaltados para conseguir una impresión de movimiento.

Palacio Real de Madrid

Palacio Real de Madrid

PALACIO DE ARANJUEZ. Sustituto de un palacio que también ardió, se proyectó junto con una ciudad de 20000 habitantes organizada a partir de dos centros: el palacio (del que parten las grandes avenidas de sentido radial) y la iglesia de San Antonio (con su gran plaza convertida en el centro de la parte destinada a viviendas y organizada en calles de trazado ortogonal que todavía hoy se mantiene).

Palacio de Aranjuez

Palacio de Aranjuez

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Barroco: Arquitectura

Denominamos Arte Barroco al arte que se desarrolló en Europa durante el siglo XVII y la primera mitad del XVIII, mientras que su fase final en Francia y Centroeuropa es conocida como Rococó. Precisamente a este estilo artístico es al que vamos a dedicar las próximas entradas del blog. Espero que sean útiles.

Nacido en una Europa compleja (cambios en la mentalidad y en las formas de vida; crisis económica y demográfica…), encontramos distintos centros artísticos:

  • Europa Católica
    • La Roma papal renovará la iconografía católica buscando conmover a los creyentes, imponiendo el gusto por las composiciones aparatosas, de tono triunfal, para expresar el aplastamiento de la herejía protestante.
    • Las monarquías absolutas se sirvieron del arte como espectáculo de poder y gloria, otorgándole el doble papel de impresionar y de trasmitir contenidos ideológicos.
  • Europa Protestante, principalmente los Países Bajos, con poderosa burguesía, desarrollarán un arte laico de gran riqueza pictórica.
El punto de partida: la iglesia renacentista del Gesú, de Vignola

El punto de partida: la iglesia renacentista del Gesú, de Vignola

RASGOS DE LA ARQUITECTURA BARROCA

  • Los recursos son básicamente los elementos clásicos del Renacimiento (columnas, entablamentos, órdenes, frontones…) pero con un carácter anticlásico según nuevos presupuestos estéticos. Se busca el contraste, la sinuosidad, la inestabilidad y el movimiento a través de múltiples recursos:
    • PLANTAS: formas elípticas e irregularidad de las diferentes partes. También existió la opción de seguir el modelo de la iglesia del Gesú, en Roma: planta longitudinal de nave única, con capillas laterales, cúpula y ábside-prebiterio semicircular.
    • CONCEPCIÓN ESPACIAL: introduce nuevos elementos y mantiene otros
      • Espacio interior unitario y amplio
      • Espacio con movimiento dinámico, buscando sensación de espacio infinito por medio de recursos de ilusionismo espacial
      • Se valora tanto el espacio interior como el espacio exterior: importancia de las fachadas, pues el edificio forma parte de un conjunto urbanístico y la función propagandística persigue impactar visualmente al espectador
    • El MURO adquiere carácter dinámico imponiéndose las superficies onduladas, que presentan formas cóncavas, convexas y mixtilíneas
    • JUEGOS DE LUCES se imponen en interiores y en exteriores, provocando claroscuros, contrastes entre pronunciados salientes y entrantes bruscos
    • CUBIERTAS ABOVEDADAS: protagonismo de la cúpula, ahora en busca del contraste con torres de distintos perfiles y colocaciones. Junto a la cúpula semiesférica se utilizan también cúpulas ovales, mixtilíneas o de nervios. Se siguen usando bóvedas de cañón, de lunetos y de arista
    • FRONTONES, MOLDURAS y ENTABLAMENTOS se rompen en formas caprichosas
    • SOPORTES: orden gigante y órdenes tradicionales enriquecidos y complicados en exuberancia decorativa. Aparece la columna salomónica, columna por excelencia del estilo barroco. Otros soportes: columna abalaustrada y el estípite
    • EXUBERANCIA DECORATIVA
    • Obsesiva búsqueda del EFECTO SORPRESA, de lo teatral, de la confusión que no pone reparos en crear engaños ópticos
    • LENGUAJE MONUMENTAL, GRANDIOSO Y TEATRAL
      • Verticalidad: orden gigante y cúpulas, con sensación de monumentalidad
      • Marcados y teatrales efectos de perspectiva
      • Notables efectos de ilusión óptica
Borromini: Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes (efecto de ondulación de las fachadas)

Borromini: Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes (efecto de ondulación de las fachadas)

  • Tipologías dominantes son la IGLESIA y el PALACIO
  • Gran relevancia del URBANISMO

URBANISMO Y ARQUITECTURA EN ITALIA: BERNINI

Italia es la cuna de la arquitectura barroca, concretamente la ciudad de Roma, y Gian Lorenzo Bernini su arquitecto fetiche.

En 1624 levantó el BALDAQUINO DE SAN PEDRO, obra se observan casi todos los rasgos del nuevo estilo: es un enorme dosel que cobija al altar mayor situado bajo la cúpula. Sirve de encuadre para centrar la atención en el altar y en la Cátedra de San Pedro, así como para constatar las diferencias entre la escala humana y el colosialismo de la construcción religiosa. Como soporte emplea la columna salomónica, de retorcido y dinámico fuste helicoidal, que será muy empleada en el Barroco.

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Baldaquino de San Pedro

Por encargo del Papa se construye la PLAZA DE SAN PEDRO DEL VATICANO. Desde finales del siglo XVI Roma se organiza según un plan urbanístico prefijado y supeditado a la función de foco de peregrinaje, pretendiendo unir las siete basílicas principales para que pudiesen ser visitadas por los peregrinos en una sola jornada. Así, en la Plaza de San Pedro, Bernini concibe un amplio espacio dotado de un logrado juego de perspectiva. La plaza, además de ordenar el espacio frente a la basílica, plasmaba el papel de la iglesia mediante los dos grandes brazos de acogida, que simbolizan el abrazo de la iglesia a sus fieles.

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Plaza de San Pedro, con la Basílica presidiendo la imagen

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Plaza de San Pedro vista desde la cúpula de la Basílica

Otra de las obras esenciales de Bernini es la iglesia de SAN ANDRÉS DEL QUIRINAL, también con claros rasgos barrocos, como planta oval y fachada cóncava.

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San Andrés del Quirinal, fachada

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San Andrés del Quirinal, planta

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