Santa Sofía (Hagia Sophia): Una iglesia, una mezquita, un museo

Santa Sofía, o Hagia Sophia (del griego, “Santa Sabiduría”), es una antigua basílica cristiana que posteriormente fue convertida en mezquita y luego en museo. Situada en Estambul, se trata de un edificio que está considerado icono del arte bizantino.

Si las paredes pudieran hablar, Santa Sofía tendría una gran cantidad de historias que contar, pues esta maravilla ha resistido la prueba del tiempo y de la guerra, sobreviviendo a siglos de conquista por algunos de los mayores imperios de la historia. En el siguiente vídeo, de TED Ed, os propongo un breve recorrido por su historia. Espero que os guste.

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El amanecer del Arte

Según muchos investigadores, fue el desarrollo cognitivo lo que dio a nuestra especie la categoría de “humano”: hasta que no se desarrolló un cerebro con capacidad de abstracción no surgió el arte tal y como hoy lo conocemos.

El 95% del arte parietal (en las paredes de cuevas y abrigos) se encuentra en la región franco-cantábrica y goza de gran prestigio. Hay una gran unidad temática en toda la zona: figuras geométricas y animales, destacando grandes herbívoros, aunque los humanos fueron representados muy pocas veces. Pero… ¿cómo y por qué surgió el arte? Esa es una respuesta que hoy no tiene respuesta (y posiblemente no la tenga nunca), a pesar de que las teorías al respecto son muy variadas:

  • Teoría del arte por el arte
  • Teoría totémica
  • Teoría de la magia simpatética
  • Teorías de origen chamánico

Así podríamos seguir y no llegaríamos a ninguna conclusión fehaciente, sin embargo, observando en silencio las pinturas de la Cueva de Chauvet (Francia) en el siguiente vídeo, vamos a intentar entrar en la mente de aquellos humanos que las pintaron hace miles de año… ¿podremos? Espero que os guste.

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Pintura del siglo XIX (II): Realismo

El Realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El desencanto por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales: la industrialización determinaba ya la desaparición del artesanado y la formación de una numerosa población obrera acumulada en los centros urbanos. Las condiciones de vida económica y social sufren una alteración muy profunda, y los artistas toman ya conciencia de los terribles problemas sociales (trabajo de niños y mujeres, los horarios excesivos, las viviendas insalubres).

Así, el Realismo es un término confuso, de difícil definición, pues sólo alude a una actitud, la del artista, frente a la realidad que lo rodea. El objetivo del Realismo era conseguir representar el mundo de una forma verídica, objetiva, imparcial, alejándose de idealismos. El manifiesto del Realismo se basaba en:

  • La única fuente de inspiración del arte es la realidad
  • No se admite ningún tipo de belleza preconcebida: la única belleza válida es la que suministra la realidad
  • Cada ser y objeto tiene su belleza particular, y es esa belleza la que debe ser descubierta por el artista

“El taller del pintor” de Courbet, cuadro que dio origen al movimiento, totalmente anti-academicista

“Las espigadoras” de Millet

“El vagón de tercera” de Daumier

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Pintura del siglo XIX (I): Romanticismo

El Romanticismo fue un movimiento tanto cultural como político que surgió en Europa a finales del siglo XVIII como reacción contra el racionalismo y el clasicismo. Fue especialmente importante en literatura, pintura y música.

En pintura, que es lo que nos ocupa, supuso un momento de renovación técnica y estética que serían fundamentales para el futuro de la pintura mundial.

  • Técnica: óleo, acuarela, grabado, litografía
  • Pincelada libre, llena de expresividad
  • Desaparece la línea frente al color
  • Importancia de la luz, con carácter efectista y teatral
  • Composiciones dinámicas, aunque depende de los autores
  • La temática es variada. Surge el exotismo tanto en el tiempo, mostrando interés por el recuerdo del pasado (desde la Antigua Grecia hasta la Edad Media y el universo gótico) como en el espacio (norte de África, la América salvaje, el mundo oriental…). También la fantasía y la obsesión con la muerte, la noche y las ruinas pueblan estas pinturas
  • Importancia de la Naturaleza y abundancia de paisajes entre las pinturas románticas
  • Reivindican la individualidad
  • Nueva relación entre cliente-artista: es un trato de igual a igual
Romanticismo francés.

Romanticismo francés. “La balsa de la Medusa”, Guericault

Romanticismo francés.

Romanticismo francés. “La Libertad guiando al pueblo”, Delacroix

Romanticismo inglés.

Romanticismo inglés. “El carro de heno”, Constable

Romanticismo inglés.

Romanticismo inglés. “Lluvia, vapor y velocidad”, Turner

Romanticismo alemán.

Romanticismo alemán. “Caminante sobre mar de niebla”, Friedrich

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La Peste Negra y la Historia del Arte

La peste negra (o black death en inglés) es como se conoce a la mayor epidemia sufrida por la humanidad en toda su historia, y que tuvo lugar en el siglo XIV. Llegaría a Europa desde Asia central, a través de Crimea. Sabemos que se trató, principalmente, de peste pulmonar y peste bubónica, transmitida esta última de la rata al hombre a través de las pulgas, provocando además grandes hinchazones, llamadas bubones (de ahí peste bubónica), en axilas e ingles.

Es imposible determinar a ciencia cierta la cantidad de personas que murieron a consecuencia de la peste negra, aunque se estima que pudo morir cerca de la mitad de la población europea de la época.

Dicho esto, no cabe duda de que todos los habitantes de Europa quedarían impresionados y tocados con la epidemia, por lo que en el siguiente vídeo vamos a ver cómo la peste negra influenció a los pintores de la época medieval. Espero que lo encontréis útil.

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Arquitectura del siglo XIX (III): Modernismo – Antoni Gaudí

Conocemos como Modernismo al amplio movimiento europeo de renovación de la arquitectura y las artes aplicadas que se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del XX. Este movimiento recibió diferentes nombres en cada uno de los países donde se desarrolló: Art Nouveau en Bélgica y Francia; Jugendstil en Alemania; Modern Style en Gran Bretaña; Sezession en Austria; Modernismo en España.

La Arquitectura Modernista se desarrolló allí donde había una burguesía enriquecida que necesitaba un arte más elegante y de mayor calidad. Esto se une a una revitalización de cierto espíritu romántico que defiende la fantasía creadora, la subjetividad, y recupera la idea de que las artes deben proporcionar goce y placer. La importancia del Modernismo radicó en que planteaba una estética original y sin referencias al pasado. Al ser la burguesía su principal cliente, el tipo de edificios dominante fue el de las casas familiares en ciudades de fuerte tradición burguesa (Barcelona, Bruselas…).

Con gran trascendencia para la renovación de la arquitectura, es claro precedente de la arquitectura moderna debido a la serie de aportaciones que implicó:

  • Ruptura con el Historicismo y con la herencia del pasado a través de nuevas soluciones constructivas gracias a los nuevos materiales y al sistema de estructuras metálicas dejadas a la vista como elemento ornamental.
  • Lenguaje estético de gran libertad expresiva, destacando el modelo sinuoso, dinámico y caprichoso de los muros, el predominio de las curvas en plantas y fachadas, la asimetría en la concepción del espacio, el interés por los espacios abiertos y luminosos, dotando a los edificios de un aspecto ligero y diáfano
  • Interés por lo decorativo como forma de luchar contra la fealdad de la industrialización. En el Modernismo destaca el refinado diseño de objetos de uso doméstico realizados de forma artesanal: muebles, lámparas, vidrieras… En arquitectura el interés por lo ornamental lo observamos debido a las aplicación sobre diversos materiales (vidrio, cerámica, mosaico, relieves…) de abundantes elementos decorativos con coloridos variados, suaves y líneas sinuosas que imitan las formas de la naturaleza

ANTONI GAUDÍ

Está considerado como el iniciador de la arquitectura moderna en España, presentando un estilo original y de gran genio creativo. Sus fuentes de inspiración las encontramos en el arte medieval (mudéjar y gótico) y la naturaleza.

Su formación historicista podemos observarla en sus primeros trabajos. Con El Capricho nos muestra su orientalismo, mientras que el neogótico está presente en el Palacio Episcopal de Astorga.

El Capricho

El Capricho

Palacio Episcopal de Astorga

Palacio Episcopal de Astorga

Sus obras más emblemáticas se encuentran todas en su ciudad, Barcelona, y en ellas es donde encontramos los rasgos de su estilo maduro.

  • Innovaciones técnicas y uso de materiales: arcos parabólicos y columnas inclinadas, paredes y techos ondulantes, empleo de materiales tradicionales, uso de fragmentos de cerámica de color y vidrio integrados en la masa de cemento que recubre los exteriores (conocido como trencadís). El hierro y el cristal se utilizan sólo como elemento decorativos en los enrejados de forja y en las vidrieras emplomadas. En muchas ocasiones las estructuras metálicas ni siquiera quedan a la vista
  • Lenguaje fantástico de formas ondulantes y caprichosas que le dan a los edificios un aspecto orgánico que asemeja formas escultóricas abstractas e incluso surrealistas y superficies de texturas muy diversas
  • Gran sentido ornamental y del color
  • Importancia de las artes aplicadas, integradas en el propio edificio

Sus fuentes de inspiración le llegan de la propia naturaleza: geología, botánica y zoología, pero con una imaginación fantástica. Estamos ante un genio de gran creatividad que realiza algo nuevo, diferente, cuidando los detalles interiores y exteriores sin olvidar la funcionalidad de la obra.

Obras de su período más creativo (1900-1914) son el llamado Parque Güell, originariamente una ciudad-jardín vanguardista.

Parque Güell (entrada)

Parque Güell (entrada)

Parque Güel (teatro griego)

Parque Güel (teatro griego)

Parque Güell (dragón de la escalinata)

Parque Güell (dragón de la escalinata)

La Casa Milá, conocida también como La Pedrera, pionera en la aparición de garaje en los edificios. Corrían nuevos tiempos y los burgueses acomodados para los que iba destinada la edificación eran también dueños de los primeros automóviles que ya circulaban por las ciudades, por lo que Gaudí acondicionó el sótano con una plaza de garaje para cada vivienda.

Otra de las casas que edificó para la burguesía barcelonesa fue la Casa Batlló.

Casa Milá o La Pedrera

Casa Milá o La Pedrera

Casa Batlló

Casa Batlló

Pero, sin duda, el proyecto de su vida, y que dejó inacabado, es el templo de la Sagrada Familia de Barcelona.

Sagrada Familia

Sagrada Familia

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Arquitectura del siglo XIX (II): Escuela de Chicago

Continuando con la Arquitectura del siglo XIX hemos de detenernos, sin ninguna duda, en la Escuela de Chicago.

En 1871 un incendio arrasó gran parte de la ciudad de Chicago, iniciándose poco después un proceso de reconstrucción urbano que sirvió como gran campo de experimentación a los arquitectos. Las ideas de estos se engloban en lo que hoy conocemos como ESCUELA DE CHICAGO, compartiendo una serie de presupuestos comunes:

  • El crecimiento en altura. El suelo sube de precio gracias a los especuladores, por lo que se inició así la construcción de los primeros rascacielos, también gracias al recién inventado ascensor (1852). Así, los edificios no son más que un esqueleto de vigas de hierro, mientras que los muros pasaban simplemente a servir de cierre del edificio
  • La ausencia de tradición arquitectónica permitió desligarse de la arquitectura del pasado
  • Utilización conjunta de materiales tradicionales y materiales nuevos, totalmente resistentes al fuego (importancia de las vigas de fundición)
  • Ausencia de elementos ornamentales superfluos, prefiriéndose la funcionalidad, dejando la ornamentación para las portadas y las cornisas

LOUIS SULLIVAN

Para este arquitecto el edificio debía ser ante todo práctico y responder a las necesidades para las que había sido concebido: la forma sigue a la función. En general concibió un tipo de rascacielos cuya fachada unificaba planta baja y primer piso para locales comerciales, seguidos de plantas de oficinas. De ornamentación escasa, se centraban en la planta baja y en las cornisas.

  • Guaranty Building (Búfalo). Edificio que anuncia los grandes rascacielos que llegarán en el siglo XX
Guaranty Building

Guaranty Building

  • Auditorio de Chicago y Almacenes Carson. Uso de la ventana apaisada (característica de la escuela) y amplitud de ventanas que le hace tener un aspecto eminentemente moderno.
Auditorium Building

Auditorium Building

Almacenes Carson

Almacenes Carson

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Arquitectura del siglo XIX (I): Arquitectura del Hierro

El siglo XIX fue un siglo dinámico, lleno de acontecimientos, cuyos cambios necesitaron una respuesta arquitectónica a las nuevas necesidades que la Revolución Industrial había traído consigo. De este modo fue en este siglo cuando se vivió el enfrentamiento entre arquitectos e ingenieros, entre la defensa de edificar con un estilo determinado o buscando lo práctico.

La industrialización ofrecía nuevos materiales y hacía más baratos otros ya existentes, pero muchos arquitectos prefirieron ocultarlos, volviendo la vista a los estilos del pasado, naciendo la ARQUITECTURA HISTORICISTA: consistía en construir edificios que imitaban el románico, gótico, renacimiento…

Casas del Parlamento (Londres). Arquitectura historicista

Casas del Parlamento (Londres). Arquitectura historicista

La libertad creativa de los artistas también permitió fundir formas constructivas diversas, generando el ECLECTICISMO: gran corriente constructiva, nueva forma de entender la arquitectura tomando de cada época y estilo aquellos elementos que mejor se adaptaban a las necesidades planteadas por cada edificio.

Ópera de París. Arquitectura ecléctica

Ópera de París. Arquitectura ecléctica

Sin embargo, frente a estas opciones surgió una nueva arquitectura, la que exploró las posibilidades de los nuevos materiales (Arquitectura del Hierro) o la que buscó responder a las nuevas necesidades estéticas y funcionales de la sociedad sin para ello inspirarse en el pasado (Escuela de Chicago y Modernismo). A estas tres corrientes vamos a dedicar las próximas tres entradas del blog, espero que os sean útiles.

ARQUITECTURA DEL HIERRO

La Revolución Industrial proporcionó nuevos materiales (hormigón, hierro y acero) con mayor resistencia y a precios cada vez más económicos. En principio fueron los ingenieros quienes supieron apreciar las ventajas del hierro, mientras que los arquitectos siguieron decantándose por los tradicionales; los primeros experimentos en este sentido se dieron en Gran Bretaña, concretamente de la mano de JOHN NASH y su Pabellón Real de Brighton. El hierro se utilizó en la estructura (columnas de fundición), aunque aún se mantenían planteamientos formales y estilísticos tradicionales, imitando formas del pasado.

Pabellón Real de Brighton

Pabellón Real de Brighton

A partir de entonces, los mejores exponentes de la escultura del hierro lo ofrecieron las Exposiciones Universales: el orgullo de la nación anfitriona estaba en juego, por lo que los pabellones se construían con los medios más avanzados, primando además la funcionalidad.

  • JOSEPH PAXTON – Construyó su Palacio de Cristal para la Exposición de Londres de 1851, pues se exigía que los materiales pudieran ser empleados de nuevo y que por ello pudiera ser desmontada. Paxton construyó para tal fin un edificio de 600 metros de largo y varias naves, algunas abovedadas, todo ello en una abra con elementos prefabricados que se montaban y desmontaban, como un mecano de hierro, cristal y poca madera. Su Palacio de Cristal fue el prototipo en el que se inspiraron todos los posteriores del resto de Europa, estaciones de ferrocarril y muchos mercados.
Palacio de Cristal

Palacio de Cristal

Palacio de Cristal (interior)

Palacio de Cristal (interior)

  • GUSTAVE EIFFEL – En la Exposición de París de 1889 las mejoras técnicas permitieron la construcción de la Torre Eiffel. No se trata ya de un edificio, sino de una estructura formada por más de 18000 piezas con 305 metros de altura. El proyecto ganó el concurso de la obra más representativa de los nuevos tiempos, de la modernidad y del progreso de la técnica, aunque no gustó a todo el mundo: una gran polémica surgió en torno a ella y a su mantenimiento o no en París una vez finalizada la exposición.

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Goya y su pintura

Nacido en Fuendetodos (Zaragoza), Francisco de Goya y Lucientes está considerado gran genio de la pintura, pero de muy difícil clasificación. En la época en la que se formó debió verse inmerso en el Neoclasicismo y Academicismo imperante, aunque nada más lejos de la realidad. Más bien al contrario, sabemos que su obra de juventud no era especialmente apreciada: dos veces la Academia rechazó sus cuadros en dos concursos para obtener una beca en Roma, beca que acabó pagándose de su propio bolsillo. A su regreso recibió el encargo de pintar los frescos de la Basílica del Pilar (Zaragoza).

Basílica del Pilar: Cúpula Regina Martyrum

Basílica del Pilar: Cúpula Regina Martyrum

De formación barroca con su primer maestro, José Luzán, el éxito le llegaría al casarse con Josefa Bayeu, hermana de Francisco Bayeu, que es quien llama a Goya para trabajar en Madrid en 1774.

  • Goya realizará bocetos que los artesanos de la Real Fábrica de Tapices de Madrid acabarán tejiendo. Pinta cartones en dos etapas: entre 1775-1780 y entre 1785-1792. En esta empresa aparece un Goya que busca el ascenso social al trabajar para la Casa Real. Realiza 4 series de cartones para tapices destinados a decorar estancias de los príncipes de Asturias en el Escorial y el Pardo, además de recibir encargos de la nobleza. Su pintura es alegre y de colores claros, mostrando su optimismo en el Madrid de la época. La pincelada, ágil y suelta. Como temática: juegos, escenas de campo y caza, “majos y majas” del Madrid castizo… En general, temática intrascendente. Ejemplos: El Quitasol, La gallina ciega, La pradera de San Isidro. En los últimos cartones ya aparece una temática más crítica: El albañil herido, El pelele, La boda, La nevada
El Quitasol

El Quitasol

La gallina ciega

La gallina ciega

El pelele

El pelele

  • Retratos, sin duda el género que le lleva a la fama. Goya no solo representa y da valor al personaje que pinta, sino que profundiza en su psicología mostrando su atracción o repulsa hacia él. Ejemplos: Floridablanca, Jovellanos, Condesa de Chinchón, Godoy, La duquesa de Alba, Las majas (desnuda y vestida)… De entre todos destacaremos La familia de Carlos IV: retrato de grupo donde aparece toda la familia real.
Los duques de Osuna y sus hijos

Los duques de Osuna y sus hijos

Godoy como general

Godoy como general

La duquesa de Alba

La duquesa de Alba

La maja vestida

La maja vestida

La maja desnuda

La maja desnuda

La familia de Carlos IV

La familia de Carlos IV

Hacia 1792 Goya enferma, quedándole como secuela una sordera que hace aflorar un Goya diferente: escéptico, sarcástico, atormentado, encontrándose más libre para inventar su pintura.

  • Realiza obras de pequeño formato pero de temática extraña, que incluso recuerdan el romanticismo: Un fuego en la noche, Corral de locos
Un fuego en la noche

Un fuego en la noche

  • Grabados. La primera serie de grabados, Los Caprichos, muestra los errores y vicios de la sociedad en que vive y que, como ilustrado, no le gustan (supersticiones, convenciones sociales…). Ejemplos: El sueño de la razón, A la caza de dientes, Hasta su abuelo
El sueño de la razón produce monstruos

El sueño de la razón produce monstruos

Hasta su abuelo

Hasta su abuelo

En 1808 empieza la Guerra de Independencia: al ver cómo Francia, el país de la razón, intenta imponerse a través de la brutalidad de las armas, Goya se siente decepcionado: la razón ha muerto y los monstruos andan sueltos.

  • Nueva serie de grabados: Los desastres de la guerra, donde el caos y la lucha convierte a los ciudadanos en bestias
¿Qué hay que hacer más?

¿Qué hay que hacer más?

Grande hazaña, con muertos

Grande hazaña, con muertos

  • Pintura patriótica. A la vuelta de Fernando VII en 1814 vuelve también el absolutismo y la inquisición, y Goya es citado por ésta por haber pintado La maja desnuda. Para congraciarse con el rey y mantener su cargo de pintor de cámara, pinta dos lienzos de gran tamaño financiados por la Corona, La carga de los mamelucos y Los fusilamientos del 3 de mayo
Carga de los mamelucos

El 2 de mayo de 1808 (La carga de los mamelucos)

El 3 de mayo de 1808 (Los fusilamientos de la montaña del Príncipe Pío)

El 3 de mayo de 1808 (Los fusilamientos de la montaña del Príncipe Pío)

En 1819 Goya compra una finca cercana a Madrid, la Quinta del Sordo, donde se retira a vivir y donde vuelve a caer enfermo. Este retiro muestra su marginalidad desde la vuelta de Fernando VII y también el ostracismo al que la sociedad del momento le coloca por estar viviendo con una mujer casada.

  • Entre 1820-1822, en este ambiente, decora las paredes de la casa con las llamadas Pinturas negras: da rienda suelta a sus monstruos y muestra su interior atormentado. Ejemplos: Saturno devorando a su hijo, Romería de San Isidro, Duelo a garrotazos, Cabeza de perro
Saturno devorando a su hijo

Saturno devorando a su hijo

Duelo a garrotazos

Duelo a garrotazos

Perro semihundido

Perro semihundido

  • De esta época es también su obra religiosa más mística y expresiva: La última comunión de San José de Calasanz, de 1819
La última comunión de San José de Calasanz

La última comunión de San José de Calasanz

En 1824 Goya se autoexilia en Francia. En Burdeos recupera algo de la claridad de sus obras de juventud. Ejemplo: La lechera de Burdeos.

La lechera de Burdeos

La lechera de Burdeos

INFLUENCIA POSTERIOS DE LA PINTURA DE GOYA

  • Realismo: siguen a Goya cuando son acusados de afear voluntariamente la realidad
  • Impresionismo: (La lechera de Burdeos). Usan la misma técnica de manchas
  • Expresionismo: En el siglo XX, tras la Primera Guerra Mundial, los expresionistas intentarán plasmar el dolor y el miedo no de una persona en concreto, sino elevándolo a categorías. Así hizo Goya en sus Pinturas negras
  • Surrealismo: se afanan en expresar el mundo de los sueños, enlazando así con Goya, que ya había desvelado su mundo interior con Los Caprichos

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Pintura Barroca Holandesa: Rembrandt

En Holanda, república burguesa y protestante, tenemos un reflejo de ello en su pintura: desaparece la pintura de iglesia y los lienzos se vuelven más pequeños para ser contemplados en las casas.

Respecto a la temática, los temas bíblicos del Antiguo Testamento, perdiendo importancia la mitología y ganándola el retrato, que se convierte en el tema más importante. Éste es tanto individual como colectivo, siendo estos últimos retratos de gremio, donde sus dirigentes pretendías hacer ostentación de sus cargos. Los paisajes, los interiores burgueses y los bodegones son otros temas representados.

El gusto por el detalle, el amor hacia lo cotidiano, las pinceladas sueltas de color y la preocupación por la luz serán otras de sus notas definitorias.

REMBRANDT

Es el pintor por excelencia de la burguesía pudiente y adinerada holandesa, siendo el primer artista que no depende del mecenazgo de la corte o de la nobleza, sino que vende sus productos en el mercado.

  • TÉCNICA. Preocupación por los efectos lumínicos. En sus cuadros la luz es suave, tamizada… las figuras quedan envueltas en penumbras graduadas, misteriosas. Las sombras están llenas de matices y detalles escondidos que invitan al espectador a la observación. Destaca el hecho principal con una luz más clara, siendo un maestro en la gradacion tonal, en una paleta donde abundan ocres, marrones y tostados.
  • RETRATOS DE GALERÍA. Eran retratos colectivos de una cofradía o agrupación, afirmación de la burguesía del momento: hombres normales pero triunfadores en la cada vez más próspera Ámsterdam. Realizó tres obras memorables encargadas para decorar las salas de sus respectivas corporaciones.
La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp

La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp

Ronda de Noche o La compañía del capitán Banning Cocq

Ronda de Noche o La compañía del capitán Banning Cocqç

El síndico de pañeros

El síndico de pañeros

  • AUTORRETRATOS. Se conservan más de 60, siendo una auténtica obsesión para él, obsesionado (como buen barroco) por el paso del tiempo.
Autorretrato, 1658

Autorretrato, 1658

  • CRISIS. En plena madurez sufrió una crisis financiera que desembocó en una crisis humana y religiosa, lo que acabó reflejándose en su pintura: se volvió más expresiva, con pincelada más suelta y vibrante, y es cuando surgieron cuadros más melancólicos o dramáticos.
Aristóteles contemplando el busto de Homero

Aristóteles contemplando el busto de Homero

El buey abierto en canal

El buey abierto en canal

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